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ZDF-Mehrteiler „Ku’damm 77“: Weitertanzen im braunen Urschlamm

Fri, 26 Dec 2025 10:25:39 +0100

ZDF-Mehrteiler „Ku’damm 77“: Weitertanzen im braunen Urschlamm

Die auf Quotenerfolge abonnierte Autorin Annette Hess spinnt ihre vor zehn Jahren gestartete „Ku’damm“-Reihe weiter. Diesmal im Zeitkolorit der Berliner Drogen- und Disco-Siebziger.

Von Gunda Bartels

Stand: 26.12.2025, 10:25 Uhr

Seit zehn Jahren tanzen die Schöllack-Frauen nun schon im mittlerweile vierten Dreiteiler „Ku’damm 77“ durch die herrschaftlichen Räume der Tanzschule Galant am Berliner Kurfürstendamm. Und obwohl Mutter Schöllack, die Claudia Michelsen auch diesmal wieder herrlich mit der Aura einer Eiskönigin mit Herz und eingebräunter Gesinnung versieht, jetzt als Tanzschul-Oma präsidiert, tanzen die Töchter Monika, Helga und Eva samt den Enkelinnen Dorli und Friederike weiter nach ihrer Pfeife. Jedenfalls was die emotionale Abhängigkeit von der Übermutter angeht.

Die 14 Jahre erzählte Zeit, die seit „Ku’damm 63“ (von 2021) verstrichen sind, hat das Ensemble – wie das in der Illusionsmaschine Fernsehen so geht – kaum Alterungsspuren gekostet. Und der digital zugerichtete Kurfürstendamm sieht baulich noch ein Stück wiederhergestellter aus.

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Um sich langwierige Dialoge zu ersparen, in denen die Protagonistinnen einander die Erlebnisse der letzten Jahre schildern, hat Hess beherzt einen Cut gemacht. Die drei Teile von „Ku’damm 77“ sind als Film im Film konzipiert.

Immer, wenn Linda Müller, die für den Sender Freies Berlin eine Dokumentation über die Traditionstanzschule dreht, die Schöllack-Frauen interviewt oder ihren Alltag beobachtet, springen die Bilder in grobkörniges 16-Millimeter-Filmformat. Zwar wirkt es mit der Zeit immer seltsamer, dass die Filmemacherin rund um die Uhr an den Schöllacks klebt, aber Expositionsprobleme gibt es durch diesen dramaturgischen Kniff keine mehr.

Der Mutterdrachen. Patriarchin Caterina Schöllack (Claudia Michelsen) lässt auch in den Siebzigern keine Zweifel an ihrer untadeligen Reputation zu.

Linda Müller (Massiamy Diaby), die Neue im Schöllack-Ensemble, ist afrodeutsch. Was Caterina Schöllack beim ersten Treffen in der Tanzschule fein lächelnd mit dem schneidenden Satz kommentiert: „Am Telefon klangen Sie ganz normal.“

Der braune deutsche Urschlamm

Und schon ist man wieder mittendrin im Zeitkolorit, im braunen deutschen Urschlamm des Nationalsozialismus und der Kriegs- und Nachkriegsjahre, der schon unter den Ereignissen der ersten drei Staffeln blubberte. Damals, als Tochter Monika (Sonja Gerhardt) den depressiven Rüstungsfabrikantensohn Joachim Frank (Sabin Tambrea) heiratete und zuvor Tochter Dorli (jetzt erwachsen: Carlotta Bähre) von einem jüdischen Musiker und einstigen KZ-Insassen bekam. Und Mutter Caterina damit konfrontierte, dass die Tanzschule keineswegs „seit Generationen im Besitz der Familie meines gefallenen Mannes ist“, wie Mutti behauptet, sondern vom Gatten 1936 für eine Reichsmark von der jüdischen Familie Krohn „gekauft“ wurde. Ein exemplarisches Unrecht, das den Schöllacks in Gestalt Londoner Anwälte, die die Immobilie im Auftrag einer jüdischen Stiftung zurückfordern, jetzt nachschleicht.

Oha, ein Joint. Dorli (Carlotta Bähre, r.) bietet ihrer Kusine Friederike (Marie Louise Albertine Becker) einen Zug an. Ricky ist skeptisch, sie will zur Polizei.

Neben die zentrale Perspektive von Monika, die – als Witwe und alleinerziehende abgebrannte Musikclubbesitzerin wieder bei Mutti eingezogen ist – hat Hess die beiden anderen Mutter-Tochter-Kombinationen gestellt. Monika trainiert Tochter Dorli, eine hoffnungsvolle Turniertänzerin und legt dabei die Strenge einer Eislaufmutter an den Tag. Und Monikas Schwester Helga (Maria Ehrich), die wieder daheim ist seit ihr schwuler Ehemann nach Ost-Berlin rübermachte, versucht die rebellische Tochter Friedrike (Marie Louise Albertine Becker) zu Abitur und Studium zu treiben. Ricky will aber lieber mit Mittlerer Reife abgehen und Polizistin werden.

Das schwarze Schaf. Eva (Emilia Schüle) kommt aus dem Knast und will - plötzlich zu Geld gekommen - eine Disco aus der Tanzschule machen.

Die größten Kritiker der Elche werden später selber welche. Das ist eine heilige Generationenregel, die sich als Variation auf F.W. Bernsteins Spruch auch in dieser Familiensaga ablesen lässt. Erziehungsfehler zeugen sich fort und bei Annette Hess sind die in Rollenmuster gepressten Frauen zwar Opfer, aber genauso Täterinnen. Das sieht auch Dorli so, die ihre Mutter und Trainerin anbrüllt: „Du bist eine Kontrolletti-Mutter!“

Die Neue. Reporterin Linda Müller (Massiamy Diaby) rückt Mutter Schöllack (Claudia Michelsen) mit der Kamera auf den Pelz.

Es amüsiert, mit welcher Unverfrorenheit seriellen Erzählens Hess in „Ku’damm 77“ altes und neues Personal etabliert. Wieso ist Sabin Tambrea wieder dabei? War der nicht in der Rolle des Joachim Franck suizidal in die Ostsee gestiegen? Tja. Und was will Linda Müller wirklich von Mutter Schöllack? Tja. Und es verblüfft, wie elegant Hess Zeitgeschichte wie den Tod von Elvis Presley einflicht und die Themen der Siebziger einbindet.

Ihr erster Döner. Monika (Sonja Gerhardt) lernt von einem Libanesen das Oud-Spiel und isst in Kreuzberg eine neuartige Speise.

Etwa in Gestalt eines 1976 erschienenen Katalogs, mit dem sich deutsche Männer Frauen in Thailand „bestellen“. Das Ding liegt plötzlich auf dem Tisch, als die Frauen zur Beerdigung von Onkel Heiner aufs Dorf fahren, wo das als Rettung für die Tanzschule erhoffte Erbe prompt von Heiners thailändischer Ehefrau eingefordert wird. Eine Episode, die Caterina Schöllack nebenbei noch eine tragische Backstory beschert.

Männer? Fehlanzeige. Ein Gruppenbild der Schöllack-Damen aus „Ku’damm 77“.

Die hat Tochter Eva (Emilia Schüle), die wegen Todschlags im Knast saß und – kaum zurückgekehrt – „Galant“ zu einem Rolf-Eden-Nachtclub umbauen will, sowieso. So rabiat wie sie auftritt, wähnt man sie direkt auf dem Weg in die Roten Armee Fraktion, die wie der West-Berliner Drogensumpf der Siebziger zur gewalttätigen Absturzatmosphäre jener Jahre zählt.

Auch männlicher Gewalt widmet sich „Ku’damm 77“ wieder in einer neuen Spielart. Und dass Berlin in den Siebzigern auch schon eine Stadt arabischer Einwanderer ist, dafür steht ein libanesischer Musiker, der Monika das Spiel der Oud und ihren ersten Döner (!) nahe bringt. Der multiethnische Cast bringt einen modernen Touch in das auch diesmal wieder schicke Kostüm- und Ausstattungsbild.

Zwischendurch möchte man angesichts der Motivfülle und der zur Bande angewachsenen Frauenriege immer mal wieder die Hände über dem Kopf zusammenschlagen und Annette Hess fragen, ob sie beim Drehbuchschreiben nicht doch einen Cola-Rum zu viel hatte.

Doch das Ensemble erdet die Story mit einem bodenständigen, differenzierten Spiel, aus dem Michelsens Mutter-Schöllack-Manierismen hervorfunkeln wie Katzengold. Trotz zahlloser TV- und Serienheldinnen ist es immer noch ungewöhnlich, eine Frauen-Saga zu sehen, die die Männer so ungeniert und charmant zur Staffage macht. Die Schöllack-Frauen, die gehören längst fest zur deutschen Fernsehfamilie. Und Familie kann man sich nicht aussuchen, möge sie auch noch so irre sein.

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Im Alter von 65 Jahren: The Cure-Gitarrist Perry Bamonte an Weihnachten gestorben

Fri, 26 Dec 2025 22:25:52 +0100

Im Alter von 65 Jahren: The Cure-Gitarrist Perry Bamonte an Weihnachten gestorben

Der Gitarrist und Keyboarder der britischen Band The Cure, Perry Bamonte, ist tot. Bamonte starb an Weihnachten im Alter von 65 Jahren nach kurzer Krankheit zu Hause, wie die Band auf ihrer Website erklärte.

Stand: 26.12.2025, 22:25 Uhr

Der Gitarrist und Keyboarder der britischen Band The Cure, Perry Bamonte, ist tot. Bamonte starb an Weihnachten im Alter von 65 Jahren nach kurzer Krankheit zu Hause, wie die Band am Freitag auf ihrer Website erklärte.

Die übrigen Mitglieder würdigten ihren verstorbenen Bandkollegen als „ruhig, intensiv, intuitiv, beständig und ungeheuer kreativ“. „Teddy“ Bamonte sei ein „warmherziger und wesentlicher Teil der Geschichte von The Cure“ gewesen.

Mit ihrem Frontmann Robert Smith und dessen klagender Stimme gehörten The Cure zu den Wegbereitern des Gothic Rock, ihr Album „Pornography“ von 1982 strotzte von suizidalen Anspielungen. Später veröffentlichte die Band auch fröhlichere Songs wie „The Lovecats“ oder „Friday I“m in Love„.

Ab 1984 arbeitete Bamonte zunächst als Roadie für The Cure. Von 1990 bis 2004 und erneut von 2022 bis zu seinem Tod war er Gitarrist, Bassist und Keyboarder der Band. Er war an zahlreichen Alben wie „Wish“, „Wild Mood Swings“, „Bloodflowers“ und „The Cure“ beteiligt und stand bei mehr als 490 Konzerten mit auf der Bühne, wie die Band erklärte. (AFP)

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So gut ist der neue München-„Tatort“: Vergiftung live auf der Bühne

Tue, 23 Dec 2025 10:19:51 +0100

So gut ist der neue München-„Tatort“: Vergiftung live auf der Bühne

Selbst an Weihnachten wird gemordet: In ihrem vorletztem Fall ermitteln die „Tatort“-Kommissare Batic und Leitmayr unter Schauspielern am Theater.

Von Markus Ehrenberg

Stand: 26.12.2025, 16:00 Uhr

In einem altehrwürdigen Münchner Theaterhaus wird Tschechows „Die Möwe“ aufgeführt. Plötzlich bricht die Schauspielerin Nora Nielsen (Giulia Goldammer) auf offener Bühne tot zusammen, offenbar vergiftet: „Tatort: Das Verlangen“ (2. Weihnachtstag, Freitag, ARD, 20:15 Uhr).

Ein Mord unter Schauspielern? Die Spurensuche im Theater, im Reich des Scheins, ist noch mal eine ganz besondere. Und das im vorletzten Fall für die „Tatort“-Kommissare Batic (Miroslav Nemec) und Leitmayr (Udo Wachtveitl).

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Wer, wenn nicht Schauspieler könnten den Ermittlern besonders gut etwas vorspielen, lügen, täuschen und verbergen? Da ist Noras Kollegin Stella (Luzia Oppermann), die an der ermordeten Kollegin vorbei auf ihre Rolle hoffte.

Oder Noras Ex-Freund Johannes (Robert Kuchenbuch) und Carl (Lukas T. Sperber), mit dem diese eine Affäre hatte, sowie die Theater-Diva Gina (Ursina Lardi), die wiederum mit Carl verbandelt war.

Stirbt live auf der Bühne: Schauspielerin Nora Nielsen (Giulia Goldammer).

Dazu kommt noch der Selbstmord einer Schaupielerin am selben Theater vor sechs Monaten. Eifersucht, Affären, Ehrgeiz, Rache, unerfüllte Sehnsüchte, Freundschaft, Verlangen, Liebe, Neid – da ist ganz schön was toxisch am Theater.

Wenn Sie aufhören, Mörder zu suchen, wird es jemand anderes tun.

Schauspieler Carl im „Tatort“ zu den Kommissaren Batic und Leitmayr, die bald in Rente gehen

Dem Ganzen begegnen Batic und Leitmayr mit all der bajuwarischen Lässigkeit und Erfahrung, die sie in 34 Jahren „Tatort“ angesammelt haben.

Mit Zeit für die Pflege von Vorurteilen über eine eitle und verschlossene Zunft, ähnlich wie jüngst im „Tatort“ aus der (mörderischen) Welt der nerdigen Schachgroßmeister. Schauspieler? Haben alle einen Knall oder/und sind Alkoholiker.

Die Münchner lösen den Fall dann auch im Agatha-Christie-Modus, ohne sehr viel dafür schaffen zu müssen, zudem Kollege Kalli Hammermann (Ferdinand Hofer) schon in den Startlöchern steht.

Zu Weihnachten also ein nicht allzu strenger und blutiger Extra-„Tatort“ als Kammerspiel (Regie: Andreas Kleiner), nicht übermäßig spannend, ironisch gespickt mit Zitaten von Tschechow bis Shakespeare samt Antwort auf die Frage, welcher von beiden Dichtern wirklich grausamer war, sowie melancholischen Anspielungen auf die baldige Rente der beiden Ermittler.

Wer wissen will, warum es im Hochsommer auf dem Platz vor dem Residenztheater in München schneit, sollte ohnehin bis zum Finale dranbleiben.

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Zarter Stahl: Die Berliner Bildhauerin Gisela von Bruchhausen ist tot

Fri, 26 Dec 2025 15:21:43 +0100

Zarter Stahl: Die Berliner Bildhauerin Gisela von Bruchhausen ist tot

In den 1980er Jahren gründete sie die Gruppe Odious mit, ihre Stahlarbeiten wurden in großen Ausstellungen gezeigt. Nun ist Gisela von Bruchhausen mit 85 Jahren gestorben.

Von Christiane Meixner

Stand: 26.12.2025, 15:21 Uhr

Es braucht Mut, um sich ins Abseits zu stellen. Die Gruppe Odious hat dies Anfang der 1980er Jahre getan, allein schon mit ihrem Namen, der aus dem Englischen übersetzt verhasst oder abscheulich bedeutet. Ein Grund war Provokation, natürlich.

Gleichzeitig lenkte man den Blick aber auch auf das Abseitige, Nonkonforme in der Stahlbildhauerei – und entschied sich zur Verwendung bereits definierter Materialien. Ihren Werkstoff holte sich die Gruppe von Schrottplätzen: Bleche, Stäbe, Gitter oder Vierkanteisen bestimmten die Gestalt der Plastiken.

Gisela von Bruchhausen war dabei, als sich Odious formierte. Zusammen mit Klaus Duschat, David Lee Thompson und anderen Studenten an der heutigen Universität der Künste (UDK) schloss sie sich zum Kollektiv zusammen. Eine Entscheidung, die in der Hochphase künstlerischer Solisten geradezu unerhört klang: Zuhören, im Team arbeiten und gemeinsam Gestalterisches zu entwickeln, gehörte nicht eben zu den Tugenden der damaligen Szene.

Gisela von Bruchhausen: „Step-between“, eine Stahlskulptur von 2007.

2013, da feierte Odious sein 30. Jubiläum mit einer Ausstellung im Georg Kolbe Museum, erinnerte sich die Künstlerin in einem Interview an jene Zeit. Es gab großartige Kooperationen, doch daneben arbeitete jeder auch für sich allein an Fragen, die ihm das Material und die Bildhauerei stellten.

Auf den Punkt kommen

Für Gisela von Bruchhausen ging es um das Zusammenfügen. Darum, den Punkt zu finden, an dem sich das Einzelne mit dem Übrigen kompositorisch verbindet. Die Konstruktion ist eine Folge innerer Notwendigkeiten im Wechselspiel mit Licht und Raum, die innere Spannung jedes ihrer Werke eine logische Konsequenz. Dass sie dem Stahl dazu die Schwere nimmt und er zu schweben beginnt, wirkt wie Magie.

Nach einem Jahrzehnt mit Fundstücken schwenkte die Künstlerin um und griff nach „frischem Stahl“, den sie vorgefertigt bezog oder im Atelier nach ihren Vorstellungen bearbeitete. Farbe anstelle der Rosthaut, fein akzentuiert, auf ein Blau, Rot oder Grau beschränkt und auf sparsamste Weise individuell interpretiert. Der Stahl ist der Star, die Bildhauerin seine Vollenderin.

Ihr Werk aus über vierzig Jahren ist beeindruckend gewachsen. Auch ohne die Gruppe Odious, deren Mitglieder sich nach dem Mauerfall zerstreuten. Gisela von Bruchhausen, die sich erst mit Ende dreißig nach einer Ehe und der Geburt dreier Söhne für ein Studium der Kunst entschied, zog nach Lehnin in ein weiträumiges Atelier. Hier entstanden Plastiken, Reliefs und Collagen, die 2022 in der Berliner Galerie Kajetan zu sehen waren.

Modular und voller Kontraste

„Gisela von Bruchhausen|Contained“, so der Titel der Schau, versammelte Arbeiten eines Jahrzehnts. Auffallend viele Wandarbeiten waren darunter, ihre Sprache modular und auf Kontrasten basierend. Vieles wirkte fragiler als jene schweren Stahlskulpturen, mit denen sich die Künstlerin, die 1987 als Assistentin von Anthony Caro im Workshop Stahl in der Bildhauerwerkstatt Berlin wirkte und später selbst Lehraufträge an der UDK wie in der chinesischen Metropole Hangzhou absolvierte, einen Namen gemacht hat.

Doch immer noch belegte die Ausstellung eindrucksvoll die Konsequenz der Künstlerin im Umgang mit ihren zentralen Themen: Gewicht, Dynamisierung, Rhythmus und Spannung.

Bis vor wenigen Wochen noch galt ihre volle Konzentration dem Werkverzeichnis. „Stahl Skulpturen“ ist im Kehrer Verlag erschienen, die ersten Exemplare wurden gerade ausgeliefert, das zweibändige Werk begleiten Texte von Christian Malycha, Herann Wiesler und dem langjährigen Partner der Künstlerin, Robert Kudielka. Kurz danach, am 22. Dezember, ist Gisela von Bruchhausen in Berlin gestorben, sie wurde 85 Jahre alt.

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Alles anbieten: Der Kunstmarkt steht vor neuen Herausforderungen

Fri, 26 Dec 2025 13:26:32 +0100

Alles anbieten: Der Kunstmarkt steht vor neuen Herausforderungen

Der globale Markt bot 2025 Widersprüchliches: Rekordergebnisse ebenso wie die Schließung etablierter Galerien. Zum Jahresende überwiegt jedoch Zuversicht.

Von Eva Karcher

Stand: 26.12.2025, 13:26 Uhr

Ein Bergmassiv in Königsblau, dahinter ein changierender Himmel und darauf, in der für den Künstler Ed Ruscha typischen Boy Scout Utility Western Typo, die meistgestellte Frage: „How do you do?“. Zum Gipfel des 6025 Meter hohen Artesonraju in den peruanischen Anden hin werden die Buchstaben von Wort zu Wort kleiner und dünner, wie eine Fata Morgana.

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Wenn die Geschichte in Bewegung gerät: Ein vorbildliches Restitutionsprojekt zwischen der Schweiz und Côte d’Ivoire

Fri, 26 Dec 2025 11:02:55 +0100

Ein vorbildliches Restitutionsprojekt zwischen der Schweiz und Côte d’Ivoire: Wenn die Geschichte in Bewegung gerät

Von 1933 und 1976 forschte der Deutsche Hans Himmelheber in Westafrika. Jetzt kehren 107 Artefakte der Familie nach Abidjan zurück. Der Vorgang könnte auch für deutsche Institutionen beispielhaft sein.

Von Nicola Kuhn

Stand: 26.12.2025, 11:02 Uhr

Erst wenige Wochen ist es her, dass die Präsidentin der Stiftung Preußischer Kulturbesitz vom Stiftungsrat grünes Licht bekam, zwei Trommeln und zwei Hörner aus dem Ethnologischen Museum nach Ghana restituieren zu dürfen. Die vier Objekte waren Insignien der damaligen Herrscher, sie wurden während der deutschen Kolonialzeit angekauft. Eins der beiden Hörner stammt vermutlich sogar aus einer Palastplünderung durch deutsche Truppen.

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Illustratorin Nora Krug auf Spurensuche in Berlin: Herr Müller zieht in den Krieg

Fri, 19 Dec 2025 09:24:16 +0100

Nora Krug auf Spurensuche in Berlin: Herr Müller zieht in den Krieg

Ein Flohmarktfund mit Bildern eines Massakers ist der Ausgangspunkt des neuen Projekts der preisgekrönten Autorin und Illustratorin Nora Krug. Jetzt hat sie dafür in Deutschland und Polen recherchiert.

Von Lars von Törne

Stand: 19.12.2025, 09:24 Uhr

Das Album im Din-A-5-Format wirkt äußerlich unscheinbar. „Erinnerungen“ steht auf dem abgegriffenen, braun-grünen Buchrücken. Der Inhalt der kleinen Fotosammlung hat Nora Krug nicht mehr losgelassen, seit diese ihr vor gut zehn Jahren bei einem Deutschlandbesuch auf einem Flohmarkt in Wedding in die Hand fiel und sie darin erschütternde Bilder entdeckte.

Jetzt ist der Berliner Zufallsfund der Ausgangspunkt einer Recherche, die die seit vielen Jahren in New York lebende, mit Dutzenden Branchenpreisen ausgezeichnete deutsch-amerikanische Autorin und Illustratorin in Berlin vorangetrieben hat.

„Ich sammle schon seit Langem Material aus den 1930er und 40 Jahren auf Flohmärkten und bei Wohnungsauflösungen“, erzählt Nora Krug, die 1977 in Karlsruhe zur Welt kam, 2002 zum Studium in die USA ging und seit 2007 Professorin für Illustration an der Parsons School of Design in New York City ist. „Objekte sind für mich stille Zeugen der Geschichte.“

Diese Bilder zeigen den Anfang des Krieges, der sich dann zum Weltkrieg ausweitet.

Nora Krug über das Fotoalbum, das sie vor einigen Jahren bei einem Berlin-Besuch auf dem Flohmarkt entdeckt hat.

Krug sitzt an einem Dezembermorgen an einem großen Holztisch in der Bibliothek der American Academy am Wannsee. Vor ihr liegt das Album vom Weddinger Flohmarkt, daneben ein Stapel historischer Fotos, Briefe, Postkarten und andere Dokumente. In den vergangenen Monaten war die 48-Jährige als Fellow zu Gast an der American Academy. Von hier aus hat sie eine umfangreiche Erkundung gestartet, deren Ergebnisse die Grundlage für ihr nächstes Buch bilden sollen.

Dieses Fotoalbum von einem Flohmarkt in Berlin-Wedding ist der Ausgangspunkt von Nora Krugs neuem Rechercheprojekt zur deutschen Geschichte.

Mit ihrer grafischen Erzählung „Heimat – Ein deutsches Familienalbum“ über die Geschichte der eigenen Familie und deren Verstrickung mit dem Nationalsozialismus hat sie sich als Autorin und Illustratorin international einen Namen gemacht. In dem ab 2018 in zahlreichen Sprachen veröffentlichten Buch verbindet sie Texte und Fotos, Zeichnungen, Comic-Elemente, Dokumente und persönliche Fundstücke zu einzigartigen Wort-Bild-Collagen.

Nora Krug in der Bibliothek der American Academy, wo sie die vergangenen Monate als Fellow gearbeitet hat.

Krugs im Dialog mit einer ukrainischen Journalistin und einem russischen Künstler entstandene Dokumentation „Im Krieg – Zwei Tagebücher aus Kyiv und St. Petersburg“ über die Folgen des russischen Angriffs auf die Ukraine, die 2024 gesammelt auf Deutsch erschien, wurde von der Stiftung Buchkunst als eines der schönsten Bücher des Jahres ausgezeichnet.

Hakenkreuz und Spaten

Eines der ersten Schwarz-Weiß-Fotos in dem Album, das Nora Krug jetzt dem Besucher auf dem Tisch der American Academy zuschiebt, zeigt einen jungen Mann in Uniform, der etwas ungelenk auf einer aus Ästen gebauten Bank sitzt.

Auf seinem Arm prangen ein Hakenkreuz und ein Spaten-Symbol: das Abzeichen des „Reichsarbeitsdienstes“, wie Krug erklärt. Das war eine Organisation im nationalsozialistischen Deutschland, in der junge Männer vor Beginn ihres Wehrdienstes einen Arbeitsdienst leisteten.

Der junge Mann in der Nazi-Uniform, so viel hat Nora Krug inzwischen herausgefunden, hieß mit Nachnamen Müller und war im Luftwaffennachrichtendienst der Wehrmacht.

Die folgenden Seiten zeigen Aufmärsche der Wehrmacht in Deutschland sowie militärische Einsätze in Polen und später auch in Belgien, Frankreich, Russland und der Ukraine. Man sieht zerstörte Häuser, Militärfahrzeuge, Pferdekutschen, tote Soldaten, Militärlager, eine Weihnachtsfeier mit einem Porträt Adolf Hitlers an der Wand und immer wieder Hakenkreuzfahnen.

Eines von zahlreichen Massakern an Zivilisten

Die sechs Bilder, die Nora Krug elektrisierten, finden sich weiter hinten im Album. Sie zeigen deutsche Soldaten, die auf einem städtischen Platz eine Gruppe unbewaffneter Männer umringt haben. Die Zivilisten tragen Anzüge, manche sind anhand ihrer Priesterhemden als kirchliche Würdenträger zu erkennen, einige heben die Hände.

Schaut man genauer hin, sieht man, dass hinter den Stehenden vor einer Wand mehrere männliche Leichen liegen, ein Bild zeigt einen Toten in Nahaufnahme, aus dessen Kopf Blut auf das Kopfsteinpflaster gelaufen ist.

Diese sechs Bilder des Massakers von Bydgoszcz hat Nora Krug im hinteren Teil des Fotoalbums vom Flohmarkt entdeckt.

Die Bilder dokumentieren, das hat Nora Krug inzwischen herausgefunden, die Tötung polnischer Männer durch deutsche Soldaten kurz nach dem von Adolf Hitler befohlenen Überfall der Wehrmacht auf Polen am 1. September 1939. Die Aufnahmen wurden in der polnischen Stadt Bydgoszcz gemacht, die auf Deutsch Bromberg hieß und seit 1920 zu Polen gehörte.

Es war eines von zahlreichen Massakern an polnischen Zivilisten, die die Deutschen nach ihrem Einmarsch verübten. Begründet wurde das in der nationalsozialistischen Propaganda als Vergeltung für den sogenannten Bromberger Blutsonntag, einen polnischen Aufstand kurz nach dem deutschen Angriff auf Polen, dem viele in Bromberg lebende Deutsche, aber auch Polen zum Opfer fielen.

Ich wollte in meinem nächsten Buch eigentlich nicht noch einmal den Zweiten Weltkrieg und den Nationalsozialismus behandeln.

Nora Krug

„Ich wollte in meinem nächsten Buch eigentlich nicht noch einmal den Zweiten Weltkrieg und den Nationalsozialismus behandeln, sondern ein ganz anderes Thema“, erzählt Krug. Doch dann hat sie im vergangenen Jahr mit einem Stipendium an der renommierten Yale University gearbeitet, eingeladen vom Leiter des Fortunoff Video Archive for Holocaust Testimonies, einer Sammlung von Interviews mit Holocaust-Überlebenden. Hier beschäftigte sie sich unter anderem mit dem Thema „Rache“ – und ihr kam der Berliner Flohmarktfund wieder in den Sinn.

Für ihr aktuelles Projekt verbindet Nora Krug journalistische Recherchetechniken mit essayistischen Elementen.

„Diese Bilder zeigen den Anfang des Krieges, der sich dann zum Weltkrieg ausweitet“, sagt Krug und zeigt auf die Bilder vor sich auf dem Tisch der American Academy. „Die Deutschen haben hier ihre Terrormaßnahmen geübt.“

Sie beschloss, die Fotosammlung zum Ausgangspunkt einer Recherche zu machen, die eine journalistische Arbeitsweise wie für ihr Buch „Im Krieg“ mit essayistischen Elementen und eigenen Einschätzungen verbindet, wie sie „Heimat“ auszeichneten. Auch dort stand am Anfang eine von persönlicher Neugier getriebene historische Recherche, die Teil einer umfassenden Auseinandersetzung mit der eigenen Geschichte und der ihres Herkunftslandes wurde.

Recherchiert wie eine Detektivin

In den vergangenen Monaten hat Nora Krug wie eine Detektivin versucht, die Hintergründe der Bilder in ihrem Flohmarktalbum zu erhellen und dabei mit Historikern, Foto-Experten, Archivaren und anderen Fachleuten zusammengearbeitet. Sie hat in Institutionen wie der Staatsbibliothek und dem Deutschen Historischen Museum recherchiert sowie polnische und deutsche Quellen durchgearbeitet.

Mit ihrer Arbeit will Krug einen neuen Blick auf die Geschichte werfen – ein bisschen so, wie es in den 1990er Jahren die Wehrmachtsausstellung des Hamburger Instituts für Sozialforschung getan hat. Aus der zeigt Krug hier auf ihrem Rechner ein Foto, das dieselbe Situation wie ihre Flohmarktfunde dokumentiert.

Ihre bisherigen Erkenntnisse hat sie in einem Word-Dokument zusammengefasst. Es ist 102 Seiten lang. Gezeichnet hat sie noch nichts: „Das kommt immer ganz am Schluss.“

Inzwischen scheint festzustehen, dass das Album wahrscheinlich dem jungen Mann in der Nazi-Uniform gehörte, der „R. Müller“ hieß, wie handschriftliche Vermerke auf den Rückseiten der Fotos nahelegen. „Er war im Luftwaffennachrichtendienst“, sagt Krug.

Müller steht für alle Deutschen, vor allem für die Mitläufer.

Nora Krug

Möglicherweise stammte er aus Dresden, das lassen zumindest mehrere Fotos vermuten, die dort aufgenommen wurden, wie Nora Krug inzwischen weiß, darunter eines von einem Rekruten-Sammelplatz für die Nachrichtentruppe der Luftwaffe. Unklar ist bislang auch, welche der Fotos von Herrn Müller selbst oder ihm nahestehenden Personen aufgenommen wurden – und welche er sich möglicherweise bei anderen Soldaten oder Fotografen bestellt hat.

Mit seinem Allerweltsnamen ist der Soldat ein schwieriges Recherche-Objekt, konkrete Informationen über ihn hat sie bislang nur wenige. Zwei Aufrufe in Radiosendungen, in denen Krug in den vergangenen Wochen interviewt wurde und in denen anschließend Hörerinnen und Hörer gefragt wurden, ob sie etwas über „R. Müller“ wüssten, blieben bislang ohne konkrete Ergebnisse.

Zerstörte Häuser, Militärfahrzeuge, tote Soldaten, eine Weihnachtsfeier mit dem Porträt Adolf Hitlers: Das sind einige der weiteren Motive im Fotoalbum vom Flohmarkt.

Auch die Geschichten der anderen im Album abgebildeten Menschen sind schwer zu rekonstruieren. Gerne würde Nora Krug den Opfern der auf den Massaker-Bildern dokumentierten Erschießung Namen geben und mehr über sie, die Täter und die Ereignisse jener Zeit erfahren.

Bis heute sind nicht alle Opfer und nur wenige Täter historisch erforscht. In dieser Woche besucht sie in Bydgoszcz Archive und befragt mithilfe einer Dolmetscherin Zeitzeugen in Altersheimen, darunter eine 103-Jährige und eine 88-Jährige.

Sie will eingefahrene Betrachtungsweisen dekonstruieren

Das Fotoalbum ist für Nora Krug allerdings nur der Anlass für eine viel umfassendere Betrachtung. „Es soll in meinem Buch um den Versuch gehen, Geschichte zu ergründen“, sagt sie. Denn der Soldat und seine fotografisch dokumentierten Erlebnisse erst an der Ost- und später an der Westfront sind für sie mehr als nur die persönlichen Erinnerungen eines Einzelnen: „Müller steht für alle Deutschen, vor allem für die Mitläufer“, sagt sie.

Eine ihrer Leitfragen bei dem neuen Projekt lautet: „Wie konstruieren wir Geschichte?“ Sie will eingefahrene Betrachtungsweisen dekonstruieren, sagt sie. Ein wenig so, wie es in den 1990er Jahren die Wehrmachtsausstellung des Hamburger Instituts für Sozialforschung getan hat, die damals vielen Deutschen die Kriegsverbrechen der Wehrmacht in ihrer ganzen Tragweite erstmals anschaulich vor Augen geführt hat.

Für ihre Recherchen hat Krug auch Briefe, Feldpostkarten und viele andere Dokumente aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs gesammelt.

Das Foto des aus der Nähe fotografierten Massaker-Opfers aus Nora Krugs Flohmarktfund zeigt eine Szene, die damals auch in der Hamburger Wanderausstellung zu sehen war, wenn auch aus einer etwas anderen Perspektive aufgenommen. Bei der Wehrmachtsausstellung war das Bild des Erschossenen allerdings ohne konkrete Ortsangaben gezeigt worden. Durch den Flohmarktfund von Nora Krug lässt es sich jetzt dem Massaker in Bydgoszcz zuordnen.

Suche nach Zwischentönen

Krug sucht in ihrer Arbeit nach „Zwischentönen“, wie sie sagt: „Ich will keine Helden/Verbrecher-Narrative wiederholen, sondern dem Leser den Spiegel vorhalten, der sich fragen soll: ‚Tue ich jetzt genug?‘“ Auch gehe es ihr um die Frage, wieso Menschen Kriege führen, wie sich ein Frieden erreichen lässt – „oder ob das nur ein utopisches Konzept ist“, wie Krug im Herbst bei einer öffentlichen Veranstaltung der American Academy sagte. Eines ihrer Leitmotive dabei sei das Thema Gewalt und die Prägung „gewöhnlicher Menschen durch außergewöhnliche Umstände“.

Und es soll in ihrem neuen Buch auch um das Verschwinden von Erinnerung gehen, erzählt sie jetzt beim Treffen in der Bibliothek am Wannsee. Ein Thema, das 80 Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs sehr akut ist, wie Nora Krug bei der Vorbereitung ihrer Recherchereise nach Bydgoszcz feststellen musste.

Sie hatte sich mit einem 92-jährigen Zeitzeugen verabredet, der seine Erinnerungen mit ihr teilen wollte. „Er war ein in Polen lebender Deutscher, also jemand, der von den Nazis als ‚Volksdeutscher‘ bezeichnet worden wäre“, sagt sie. Die Narrative der Deutschen in Polen unterschieden sich oft von denen der Polen. Doch zu dem Gespräch kam es nicht mehr: Vor einigen Tagen erfuhr Nora Krug, dass der Mann gestorben ist.

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Zukunft der Museen: Marion Ackermann: Museen sollten sich an Bibliotheken orientieren

Thu, 25 Dec 2025 10:31:12 +0100

Zukunft der Museen: Marion Ackermann: Museen sollten sich an Bibliotheken orientieren

Marion Ackermann ist Präsidentin der Stiftung Preußischer Kulturbesitz und sieht Museen als „letzte Lagerfeuer der Gesellschaft“. Sie fordert mehr Offenheit. Vorbilder gebe es bereits.

Stand: 25.12.2025, 10:31 Uhr

Die Museen in Deutschland sollten sich nach Ansicht der Präsidentin der Stiftung Preußischer Kulturbesitz (SPK) ein Beispiel an der Entwicklung von Bibliotheken nehmen. „Das hätte man ja noch vor zwei Jahrzehnten gar nicht für möglich gehalten, dass Stadtbibliotheken zum Beispiel sich so entwickeln würden zu Orten, wo Menschen aus allen Communities, migrantischen Communities, wo alle zusammenkommen“, sagte Marion Ackermann dem „Deutschlandfunk“ in einem Interview.

„So müsste auch das Museum sich weiterentwickeln. Es sind die letzten Lagerfeuer der Gesellschaft“, sagte Ackermann weiter. Der Begriff Lagerfeuer stehe für Orte, an denen man sich geborgen fühlt. „In auch politisch krisenhafter und komplizierter werdenden Zeiten werden hoffentlich Museen noch stärker diese Rolle einnehmen.“

Auf die Frage, ob die teils deutlich gestiegenen Eintrittspreise für Museen diesem Anspruch widersprechen, sagte die SPK-Präsidentin: „Ich bin nie ein Fan davon gewesen, jetzt einfach freien Eintritt zu geben. Das ist nicht das Entscheidende.“ Sie verwies darauf, dass die günstigste Jahreskarte der Staatlichen Museen zu Berlin (gilt für bestimmte Uhrzeiten) lediglich 25 Euro koste. (dpa)

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Spielfilm „Die jüngste Tochter“: Jung, muslimisch, lesbisch und verliebt

Tue, 23 Dec 2025 07:00:06 +0100

Spielfilm „Die jüngste Tochter“: Jung, muslimisch, lesbisch und verliebt

Von der Sportstudentin zur Schauspielerin: Die Französin Nadia Melliti gibt in Hafsia Herzis Romanadaption „Die jüngste Tochter“ ein beeindruckendes Leinwanddebüt.

Von Nadine Lange

Stand: heute, 07:00 Uhr

Nach der Englischstunde drängeln die Schülerinnen und Schüler in den Flur. Ein Junge wird von einem anderen als Schwuchtel beschimpft. Der Angesprochene dreht sich zu der Gruppe um, aus der der Spruch kam, und sagt: „Schwuchtel? Eure Freundin ist eine Lesbe. Alle wissen das.“ Damit ist Fatima gemeint, die umgehend auf den Jungen losgeht, ihn schubst, tritt, bespuckt und seine Brille zerbricht. Die Attacke lässt ihn weinend zurück, die Umstehenden sind geschockt. Fatima wird später zu Hause selbst in Tränen ausbrechen.

Ihr Wutanfall auf dem Korridor einer Pariser Vorortschule ist eine der härtesten Szenen in Hafsia Herzis Spielfilm „Die jüngste Tochter“. Dass er so explosionsartig ausfällt, liegt daran, dass Fatima tatsächlich gerade ihr Begehren für Frauen entdeckt.

Weil die algerisch-französische Abiturientin weiß, dass ihre Umgebung diese Gefühle ablehnt, greift sie den Mitschüler an. Dass er wahrscheinlich ebenfalls queer ist, macht das Ganze noch schmerzhafter. Wie toxisch Homofeindlichkeit in der Schule sein kann, ist selten so prägnant im Kino zu sehen.

Dass diese Sequenz wie auch der Rest des Films so stark wirken, liegt hauptsächlich an Nadia Melliti, die Fatima spielt. In Cannes gewann das Werk von Regisseurin Hafsia Herzi die Queer Palm, Melliti wurde als beste Darstellerin ausgezeichnet. Es war das erste Mal, dass die heute 23-Jährige an einem Film mitgewirkt hat.

„Ich war in Paris in der Gegend um Pont Neuf unterwegs, als mir jemand auf die Schulter klopfte“, erinnert sie sich bei einem Gespräch am Rande des Filmfestivals von Locarno. „Es war die Castingdirektorin des Films, die ich erst für eine Touristin hielt. Sie erzählte mir von dem Projekt und fragte, ob ich Interesse hätte, mitzuwirken.“

Nadia Melliti, Tochter einer algerischen Mutter und eines italienischen Vaters, war damals Sportstudentin, fand die Idee spannend und ließ sich darauf ein. Das dem Film zugrunde liegende autofiktionale Buch von Fatima Daas kannte sie damals noch nicht, war nach der Lektüre aber beeindruckt davon. Sie traf die Autorin, erfuhr mehr über deren Leben und tauschte sich mit ihr über das Skript aus. „Zudem konnte ich beobachten, wie sie sich im Raum bewegt, welchen Kleidungsstil sie hat. Ich habe mich von mehreren Elementen ihrer Persönlichkeit inspirieren lassen“, sagt Melliti.

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Im Film trägt sie als Fatima meistens sportliche Klamotten und eine Baseballkappe über den zum Zopf gebundenen Haaren. Was ihr sowohl aus der Familie als auch aus dem Freundeskreis immer wieder Kommentare einbringt, nicht weiblich genug auszusehen. „Wer soll die heiraten?“, ruft eine ihrer beiden älteren Schwestern einmal.

Fatima lässt sich davon nicht beirren, sie spielt auch gern Fußball – eine Leidenschaft, die Melliti in den Film eingebracht hat – und verabredet sich über eine Dating-App mit Frauen. Anfangs verwendet sie einen anderen Namen, will sich vor allem ausprobieren. Doch als sie die Krankenschwester Ji-Na (Ji-Min Park) kennenlernt, öffnet sie sich wirklich, und die beiden werden ein Paar.

Das führt zu einem inneren Konflikt, denn Fatima ist eine gläubige Muslima. Gleich in der ersten Szene von „Die jüngste Tochter“ sieht man sie bei Gebetsvorbereitungen, wiederholt kniet sie im Tschador auf dem Gebetsteppich. Als sie Rat bei einem Imam sucht, verschärft sich ihr Zwiespalt, denn er verdammt Homosexualität.

Schauspielerin Nadia Melliti als Fatima in Hafsia Herzis Film „Die jüngste Tochter“.

Vorurteile gegen queere Menschen haben den Castingprozess des Films erschwert. Das Team bekam mehrfach zu hören, dass angefragte Personen „Homosexualität nicht unterstützen“ wollten.

Nadia Melliti denkt vollkommen anders. Im Hinblick auf junge muslimische Queers sagt sie: „Ich finde, es ist höchste Zeit, dass sie repräsentiert werden und eine Stimme bekommen. Das ist der Hauptgrund, warum ich diese Herausforderung angenommen habe.“ Für sie sei es eine Ehre gewesen, die Rolle zu spielen. „Ich habe nie darüber nachgedacht, was andere Leute darüber denken könnten.“

Aus der queer-muslimischen Community in Frankreich habe das Team viel positives Feedback auf „Die jüngste Tochter“ bekommen, erzählt Melliti. Im Genre des Coming-out- beziehungsweise Coming-of-Age-Films füllt er in der Tat eine Lücke. Wobei Hafsia Herzis Werk nicht nur aufgrund der Perspektive überzeugt, sondern auch in der sehr freien Umsetzung der Vorlage. Anstelle von deren fragmentarischer Struktur erzählt der Film chronologisch ein Jahr in Fatimas Leben und schenkt ihr überdies eine erste Liebeserfahrung.

Wie liebevoll das Verhältnis zur Mutter ist, die stolz das Abizeugnis ihrer jüngsten Tochter an die Wand hängt, wird in wenigen Szenen prägnant skizziert. Eine davon spielt in der Küche, steht am Ende des Films und bildet dessen emotionalen Höhepunkt. Nadia Melliti spielt das so herzzerreißend, dass man sich wünscht, sie in Zukunft häufiger auf der Leinwand zu sehen.

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„Die Berliner Szene bietet Räume für Experimente“: Das Ensemble Momentum will Klassik neu verhandeln

Thu, 18 Dec 2025 10:31:19 +0100

„Die Berliner Szene bietet Räume für Experimente, aber die klassische Musikszene selbst tut es oft nicht“: Das Ensemble Momentum will Klassik neu verhandeln

Klassische Musik als Prozess statt Produkt: Wer wissen will, wie es klingt, wenn niemand Angst vor einem falschen Huster haben muss, sollte einmal bei diesem Kammermusikensemble vorbeischauen.

Von Johannes Furtwängler

Stand: heute, 10:31 Uhr

Im Kühlhaus Berlin sitzen die Besucher in einem großen Kreis auf Sofas und Stühlen. Die Szene sieht mehr nach einer Vernissage aus als nach einem Konzert. Man trinkt und unterhält sich, die Musizierenden tragen keine Konzertkleidung und haben sich unters Publikum gemischt. Doch als eine kleine Gruppe von ihnen die Mitte betritt und ein Arrangement aus Bachs Kunst der Fuge anstimmt, gewinnt der Raum an Dichte.

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Umstrittener Auftritt beim Glastonbury-Festival: Keine Anklage gegen Bob-Vylan-Musiker

Wed, 24 Dec 2025 16:28:16 +0100

Umstrittener Auftritt beim Glastonbury-Festival: Keine Anklage gegen Bob-Vylan-Musiker

Nach einem scharf kritisierten Auftritt von Bob Vylan beendet die Polizei ihre Ermittlungen. Das Duo zeigt sich erleichtert und richtet einen Appell an seine Anhänger.

Stand: 24.12.2025, 16:27 Uhr

Ein Rapper des Punk-Rap-Duos Bob Vylan muss nach dem Eklat um einen antiisraelischen Slogan auf dem Glastonbury-Festival keine rechtlichen Konsequenzen fürchten. Die Voraussetzungen für eine Strafverfolgung seien nicht erfüllt und es gebe keine weiteren Maßnahmen, teilte die Polizei von Avon and Somerset mit. Es gebe „unzureichende“ Beweise für eine „realistische Aussicht auf eine Verurteilung“.

Das Duo war Ende Juni beim Glastonbury-Festival in England aufgetreten. Der Sänger rief mit dem Slogan „Death, death to the IDF“ (Tod den israelischen Streitkräften) zu Sprechchören des Publikums auf. Der als antisemitisch eingestufte Auftritt wurde in der Folge massiv kritisiert, auch vom britischen Premierminister Keir Starmer. Die BBC, die den Auftritt live übertragen hatte und dafür ebenfalls schweren Vorwürfen ausgesetzt war, sowie der Veranstalter distanzierten sich deutlich.

Bob Vylan: „Ohne Angst“ für palästinensisches Volk

Die Polizei teilte nach dem Auftritt mit, sie ermittle wegen möglicher Straftaten und prüfe, ob es sich um Hasskriminalität gehandelt habe. Nun, Monate später, spricht die Behörde von einem komplexen und aufwendigen Fall. Im Zuge der Ermittlungen habe sich gezeigt, dass es „grundlegende Beweisschwierigkeiten“ gebe. Daher stelle man die Ermittlungen ein.

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Die Musiker stellten den von vielen Seiten kritisierten Slogan stets als legitime Kritik an der israelischen Kriegsführung im Gazastreifen dar. In einem X-Beitrag teilte Bob Vylan nun mit, dass die strafrechtliche Untersuchung von Beginn an „ungerechtfertigt“ gewesen sei. Das Duo hoffe, dass die eingestellten Ermittlungen andere dazu inspirierten, „sich ohne Angst für das palästinensische Volk einzusetzen und dies auch weiterhin zu tun“. (dpa)

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England

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Maria und das Jesuskind: Stillende (Gottes-)Mütter, eine Bildergalerie

Wed, 24 Dec 2025 13:24:29 +0100

Maria und das Jesuskind: Stillende (Gottes-)Mütter, eine Bildergalerie

„Maria lactans“ sagen die Kunsthistoriker dazu. Maria stillt den Jesusknaben in aller Öffentlichkeit, in Kirchen und Museen. Ein weihnachtlicher Madonnen-Rundgang durchs Museum.

Von Christiane Peitz

Stand: 24.12.2025, 13:24 Uhr

Sollen, ja dürfen Frauen in der Öffentlichkeit stillen? Das Thema wird heute meist unverkrampft diskutiert, aber Streit darüber gibt es auch in unseren Breitengraden immer mal wieder. Wie intim ist der Moment, wie umgehen mit dem Anblick einer entblößten Brust? Maria und Jesus tun es schon lange öffentlich, in Kirchen, Klöstern und Museen. Das Weihnachtsfest ist ein guter Anlass für kunsthistorische Mutter-Kind-Betrachtungen: Halten wir Ausschau nach stillenden (Gottes-)Müttern, beim Rundgang durch Berlins Gemäldegalerie und das Bode-Museum.

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Berlin, eine Stadt im Lichterrausch: Auf einmal geht es sanft und besinnlich zu

Tue, 23 Dec 2025 11:34:52 +0100

Berlin, eine Stadt im Lichterrausch: Auf einmal geht es sanft und besinnlich zu

Es ist Weihnachten, und Berlin präsentiert sich als Stadt, die blitzt und strahlt und funkelt. Ein abendlicher Streifzug und ein Blick in die elektrische Vergangenheit.

Von Nikolaus Bernau

Stand: 24.12.2025, 12:43 Uhr

Wer derzeit den Kurfürstendamm und die Tauentzienstraße von Halensee bis zum Wittenbergplatz entlangfährt oder irgendwo in die Fenster der Einfamilienhäuser zwischen Tegel und Treptow, Köpenick und Staaken sieht, in die Prachtbauten an der Karl-Marx-Allee oder die Mietskasernen an der Karl-Marx-Straße – überall strahlt es mild, blitzt und funkelt. Sterne, Monde, perlende Lichtervorhänge, um den Balkon gezogene Lichterketten. Und auch von den Kirchtürmen hängen Sterne, die in alle Richtungen gespitzt sind, gemacht in Herrenhut, so wie es sich gehört.

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Bekannt aus „Donna Leon“ : Schauspieler Uwe Kockisch im Alter von 81 Jahren gestorben

Wed, 24 Dec 2025 12:24:17 +0100

Bekannt aus „Donna Leon“ : Schauspieler Uwe Kockisch im Alter von 81 Jahren gestorben

Als Commissario Brunetti in der beliebten ARD-Krimireihe wurde er einem Millionenpublikum bekannt. Auch in der Serie „Weissensee“ spielte er mit. Nun ist der in Cottbus geborene Schauspieler tot.

Stand: 24.12.2025, 12:38 Uhr

Der als Commissario Brunetti aus der ARD-Krimiserie „Donna Leon“ bekannt gewordene Schauspieler Uwe Kockisch ist tot. Er starb am Montag im Alter von 81 Jahren in Madrid, wie seine Agentur unter Berufung auf seine Frau der Deutschen Presse-Agentur bestätigte. Zuvor hatte die „Junge Welt“ berichtet.

In der Rolle des in Venedig ermittelnden Commissario Brunetti folgte Kockisch 2003 auf Joachim Król (68), der die Figur zuvor gespielt hatte. Kockisch spielte den Kommissar dann bis zum Ende der Fernsehreihe 2019. In der ARD-Krimireihe nach den gleichnamigen Romanen der Schriftstellerin Donna Leon (83) ermittelte Kockisch in der eindrucksvoll in Szene gesetzten Kulisse der Lagunenstadt Venedig.

Die Krimireihe erfreute sich großer Beliebtheit beim deutschen Fernsehpublikum. So schalteten beim letzten Brunetti-Fall „Donna Leon – Stille Wasser“ am ersten Weihnachtsfeiertag 2019 trotz Konkurrenz zur „Helene Fischer Show“, die parallel im ZDF lief, immerhin 5,72 Millionen Zuschauerinnen und Zuschauer den Krimi im Ersten ein (18,8 Prozent).

Kockisch unternahm Fluchtversuch aus der DDR

Daneben spielte Kockisch in der Fernsehserie „Weissensee“ über die Geschichte einer Ost-Berliner Familie den Stasi-Mann Hans Kupfer. Die 24 Folgen der Saga – zwischen 2010 und 2018 erstausgestrahlt – liefen ebenfalls im Ersten.

Im echten Leben versuchte Kockisch – geboren am 31. Januar 1944 in Cottbus – als Jugendlicher, aus der DDR zu fliehen. Dafür musste er zeitweise ins Gefängnis. Er machte eine Ausbildung an der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch und spielte rund zwei Jahrzehnte lang am Maxim-Gorki-Theater in Berlin. (dpa)

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Das biografische Weihnachtsrätsel 2025: Wer war’s? Erraten Sie zehn Persönlichkeiten

Tue, 16 Dec 2025 11:44:23 +0100

Das biografische Weihnachtsrätsel 2025: Wer war’s? Erraten Sie zehn Persönlichkeiten

Manche laufen immer weiter auf ausgetretenen Pfaden, andere suchen neue Wege. Sie sind ihrer Zeit weit voraus. Bisweilen wird das spät bemerkt. Zehn dieser Charaktere werden gesucht.

Von

Stand: 24.12.2025, 08:07 Uhr

Nichts bleibt, wie es ist. Alles dreht und wandelt sich. Das war zu allen Zeiten so. Was gestern noch utopisch schien, ist heute Realität. Das liegt vor allem an Menschen, die mit ihren Gedanken und Ideen ihrer Zeit voraus waren. Vordenker und Vordenkerinnen, deren neue Erkenntnisse zu ihrer Zeit bisweilen gar nicht wahrgenommen wurden. Manches wurde erst viel später gewürdigt. Und beeinflusst unser Leben bis heute.

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Klassiker mit Bügeleisenabdruck: Berlinale-Chefin verrät ihren liebsten Weihnachtsfilm

Wed, 24 Dec 2025 06:02:19 +0100

Klassiker mit Bügeleisenabdruck: Berlinale-Chefin verrät ihren liebsten Weihnachtsfilm

„Tatsächlich … Liebe“, „Kevin – Allein zu Haus“ oder „Der kleine Lord“: Mit Weihnachtsfilmen kann man es sich jetzt gemütlich machen. Festivalchefin Tricia Tuttle hat einen Favoriten.

Stand: 24.12.2025, 06:01 Uhr

Berlinale-Chefin Tricia Tuttle (55) ist großer Fan des Weihnachtsklassikers „Kevin – Allein zu Haus“. Der Film sei definitiv einer der Lieblingsweihnachtsfilme ihrer Familie. „Ich werde nie genug davon bekommen, diesen Film zu schauen. Er ist lustig und bewegend. Manchmal muss man eine Träne verdrücken“, sagte sie der Deutschen Presse-Agentur.

Die Komödie von 1990 gehört zu den populärsten Weihnachtsfilmen. Im Film vergisst eine amerikanische Familie bei der Abreise in den Weihnachtsurlaub nach Europa ihren jüngsten Sohn (Macaulay Culkin), der sich daraufhin alleine gegen Einbrecher wehren muss und allerhand Abenteuer erlebt.

Passendes Halloween-Kostüm des Sohnes

Über den heute 45-jährigen Culkin sagte Tuttle, er habe damals eine der besten schauspielerischen Leistungen eines Kindes aller Zeiten abgeliefert. „Ich bin eigentlich kein großer Fan von Slapstick, aber dieser Film bringt mich immer sehr zum Lachen“, erzählte die US-Amerikanerin.

Ihr Sohn habe sich zu Halloween als einer der Einbrecher verkleidet. Er habe sich dafür einen Bügeleisenabdruck ins Gesicht geschminkt – einer der Einbrecher wird in einer Filmszene von einem heißen Bügeleisen getroffen – und sich die Haare hochgesteckt. „Ich fand das Kostüm toll.“

Die nächsten Internationalen Filmfestspiele in Berlin sind vom 12. bis 22. Februar 2026 geplant. Bekannt ist bereits, dass Oscar-Preisträgerin Michelle Yeoh mit dem Goldenen Ehrenbären für ihr Lebenswerk ausgezeichnet wird und Regisseur Wim Wenders den Juryvorsitz übernimmt. (dpa)

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Wo Milch und Honig fließen : Was sich durch stillende (Gottes-)Mütter über die Diskussion zum Mom-Shaming lernen lässt

Tue, 23 Dec 2025 14:23:12 +0100

Wo Milch und Honig fließen : Was sich durch stillende (Gottes-)Mütter über die Diskussion zum Mom-Shaming lernen lässt

Über öffentlich stillende Mütter wird gern gestritten – Maria stillt das Christkind seit Jahrhunderten in Kirchen. Was verraten die christlichen Mutter-Kind-Darstellungen uns heute über Kindeswohl, Mom-Shaming und Männerblicke? Ein Weihnachtsessay.

Von Christiane Peitz

Stand: 24.12.2025, 05:00 Uhr

Sie tut es in aller Öffentlichkeit, an eigentlich unmöglichen Orten. In der Kirche zum Beispiel, am Hochaltar, in Klöstern, Kapellen, im Museum.

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Frisch vom digitalen Zeichentisch: Die aktuellen Karikaturen von Klaus Stuttmann

Thu, 10 Apr 2025 13:37:41 +0200

Frisch vom digitalen Zeichentisch: Die aktuellen Karikaturen von Klaus Stuttmann

Tag für Tag kommentiert Klaus Stuttmann das politische Geschehen. Hier gibt es seine neuesten Tagesspiegel-Karikaturen.

Stand: 23.12.2025, 15:21 Uhr

26. Dezember 2025

23. Dezember 2025

22. Dezember 2025

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Geschenktipps zu Weihnachten: Kauft Architektur im Laden!

Sun, 21 Dec 2025 16:16:05 +0100

Geschenktipps zu Weihnachten: Kauft Architektur im Laden!

Buchläden sind unterschätzte Kulturinstitutionen, daran sollten wir uns gerade zur Weihnachtszeit wieder erinnern. Eine Auswahl von Architektur-Berlinbüchern für alle, die noch ein Geschenk suchen.

Ein Kommentar von Nikolaus Bernau

Stand: heute, 14:04 Uhr

Fehlt noch ein Weihnachtsgeschenk? Und es soll Architektur sein? Also ab in die nächste Architekturbuchhandlung. In dieser Hinsicht ist Berlin mal wirklich Deutschlandspitze. Es gibt das hinreißende QM in der Almstadtstraße, den überwältigenden Bücherbogen am Savignyplatz, Modulor am Moritzplatz und König an der Museumsinsel. Da bewusstlose Klick-Käufer die Kulturinstitution Buchläden immer weiter zerstören, sei die Werbung gestattet.

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Vom Kurvenstar in Rafael Horzons Möbelladen: Das Ende der Popliteratur?

Tue, 23 Dec 2025 13:52:14 +0100

Vom Kurvenstar in Rafael Horzons Möbelladen: Das Ende der Popliteratur?

Am Wochenende hat der schwerkranke Schriftsteller Joachim Lottmann mal wieder in Berlin gelesen. Dabei hat sich ein schöner Pop-Kreis geschlossen.

Von Gerrit Bartels

Stand: heute, 13:52 Uhr

Neulich erzählte die Schriftstellerin Mirna Funk bei einem Treffen in der Röststätte in Mitte, wie sie einst im Kurvenstar, einem heute nicht mehr existierenden Club in der Großen Hamburger Straße, ihren allerersten Auftritt hatte.

2001 war das, Funk las auf Einladung des Schriftstellers und selbst ernannten Popliteratur-Erfinders Joachim Lottmann, der damals über dem Kurvenstar wohnte und eine „letzte lange Nacht der Popliteratur“ feiern wollte.

Als Ruhmesblatt ist diese Feier nicht unbedingt in die Literaturgeschichte eingegangen, eher als spaßige Lachnummer im Hinterzimmer, auch wenn mit Tex Rubinowitz ein späterer Ingeborg-Bachmann-Preis-Träger auftrat und auch Wolfgang Herrndorf dabei war.

Auch Wolfgang Herrndorf war dabei

Lottmann präsentierte Herrndorf als „groß“, obwohl dieser „Tschick“ und „Sand“ und „Arbeit und Struktur“ noch gar nicht geschrieben hatte, also: Hut ab vor Lottmanns Prophezeiung. Zu schweigen von Mirna Funk, die inzwischen auch eine bekannte Autorin ist und demnächst ihren dritten Roman „Balagan“ veröffentlicht.

Ich erinnere mich, dass der ganze Kurvenstar-Abend etwas irgendwie Desparates hatte, weil Sinn und Zweck der ganzen Übung im Dunkeln blieben, gewissermaßen im Lottmann-Zwielicht. Im Nachhinein bemerkenswert daran ist, dass schon damals der Popliteratur mit ihren Protagonisten wie Benjamin von Stuckrad-Barre oder Christian Kracht so manches Totenglöckchen geläutet wurde, das finale Geklingel aber erst jetzt, fast ein Vierteljahrhundert später, eingesetzt hat. Zum Beispiel mit der von Erika Thomalla herausgegebenen Oral History „Gegenwart machen“.

Oder just mit einer Lesung von Joachim Lottmann am vergangenen Samstag in Rafael Horzons Möbelladen in der Torstraße, von Lottmann in den sozialen Medien als „Weihnachtswunder“ bezeichnet. Wohl deshalb, weil er schwer krebskrank ist. „War das die Abschlussveranstaltung der Popliteratur?“, fragte die „Süddeutsche Zeitung“ einen Tag später und berichtete von einem „sehr gut besuchten“ und „denkwürdigen“ Abend. Womit sich ein schöner Pop-Kreis schließt, vom Kurvenstar in Horzons Möbelladen. Aber nicht, dass nun jemand auf den Gedanken kommt, die Popliteratur sei nie aus Berlin-Mitte herausgekommen.

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Tschechows „Kirschgarten“ als Musical: Die Neuköllner Oper haut thematisch auf die Pauke

Fri, 19 Dec 2025 14:05:15 +0100

Bittere Früchte von Deutsch-Südwest: Tschechows „Kirschgarten“ als Musical

Die Neuköllner Oper haut thematisch auf die Pauke und lädt das Wolfgang-Böhmer-Musical „Der zweite Kirschgarten“ als Familiendrama mit Kolonialgeschichte und neurechtem Gefasel auf.

Von Gunda Bartels

Stand: 19.12.2025, 14:05 Uhr

So sehen Profis aus. Nur eine Woche Probenzeit hat die bekannte Film- und Theaterschauspielerin Franziska Junge gehabt, um sich die Rolle der Clanmutter Andrea draufzuschaffen. Eigentlich sollte die Premiere des „Zweiten Kirschgartens“ an der Neuköllner Oper schon vor einer Woche stattfinden, wie Rainer Simon, der neue künstlerische Leiter des Hauses vor der Premiere noch einmal erzählt.

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Donald Trump und die Popkultur: Wie das Weiße Haus junge Stars ködern will

Sun, 21 Dec 2025 16:08:58 +0100

Donald Trump und die Popkultur: Wie das Weiße Haus junge Stars ködern will

In den sozialen Medien nutzt das Weiße Haus Songs von Popstars, die darauf abweisend reagieren. Aber „Maga“ genießt in Teilen der Jugendkultur bereits einen Coolness-Faktor, den die Republikaner nie hatten.

Von Inga Barthels

Stand: heute, 07:38 Uhr

Cuffing Season, so heißt die Zeit vom späten Herbst bis zum Frühlingsanfang, in der es dunkel und kalt ist, man keine Lust mehr auf Dating hat und jemanden zum dauerhaften Kuscheln sucht. „To cuff“ bedeutet, jemandem Handschellen anzulegen.

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Kein Bock auf Party?: Alternative Silvester-Pläne für Berlin

Tue, 23 Dec 2025 07:21:43 +0100

Kein Bock auf Party?: Alternative Silvester-Pläne für Berlin

Da geht mehr als Feuerwerk – im Kino, auf dem Eis oder im Theater kann man es sich auch schön machen. Sechs Tipps für Partymuffel zu Silvester.

Von

Stand: heute, 07:21 Uhr

Fünf! Vier! Drei! Zwei! Eins! Korkenknallen, Champagnerklimpern, angeschwipst am Rand der Tanzfläche wippen – so oder so ähnlich sieht für viele die Silvesternacht aus.

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Natascha Wodin über das Älterwerden und eine späte Liebe: „Man weiß, dass man aus diesem Albtraum nie mehr erwachen wird“

Tue, 23 Dec 2025 06:44:15 +0100

Natascha Wodin über das Älterwerden und eine späte Liebe: „Man weiß, dass man aus diesem Albtraum nie mehr erwachen wird“

Mit ihrem Buch „Die späten Tage“ zieht die preisgekrönte Schriftstellerin Natascha Wodin die Bilanz ihres Lebens. Sie erzählt von den Malaisen und Lieben des Alters.

Von Gerrit Bartels

Stand: heute, 06:44 Uhr

Natascha Wodin hat sich schwergetan, ihrem neuen Buch einen Titel zu geben. Also fütterte sie, wie man das heute so macht, einfach mal ChatGPT mit dem von ihr erzählten Stoff und erhielt Vorschläge wie „Der letzte Atemzug der Liebe“, „Schlafende Schwerkraft am blauen See“ oder „Das Meer der vergänglichen Zeit“.

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Bekannt durch „Driving Home for Christmas“: Der Musiker Chris Rea ist tot

Mon, 22 Dec 2025 16:14:13 +0100

Bekannt durch „Driving Home for Christmas“: Der Musiker Chris Rea ist tot

In den Achtzigern gehörte der Gitarrist und Sänger zu den bekanntesten Musikern Großbritanniens. Jetzt starb er nach kurzer Krankheit im Alter von 74 Jahren. Ein Nachruf.

Von Nadine Lange

Stand: 22.12.2025, 19:14 Uhr

Gerade ist er wieder in den deutschen Charts. Nicht ganz oben wie Wham! und Mariah Carey, doch für einen soliden Mittelfeldplatz in den Top 20 reicht es für Chris Rea mit „Driving Home For Christmas“ auch in diesem Jahr wieder. Dass der Sänger dieses entspannt swingenden Songs nun ausgerechnet zwei Tage vor Weihnachten gestorben ist, wirkt wie eine ähnlich gemeine Ironie des Schicksals wie George Michaels Tod am Ersten Weihnachtsfeiertag des Jahres 2016.

Entstanden ist Chris Reas Weihnachtshit eher zufällig: Kurz vor Weihnachten 1978 gerieten der Musiker und seine am Steuer ihres Austin Minis sitzende Frau auf der Fahrt von London ins heimische Middlesbrough in einen furchtbaren Stau. Rea begann aus Spaß den Text zu schreiben.

Erst ein Jahrzehnt später holte er ihn wieder hervor, denn er passte perfekt auf eine Melodie, die Rea zufällig beim Testen neuer Klaviere mit seinem Keyboarder gefunden hatte. Sie nahmen den Song auf, der zunächst nur als B-Seite einer Single erschien. Doch als ein DJ das Stück spielte, entschied sich die Band eine vollwertige Version mit Streichern aufzunehmen – seither kam es zu jeder Weihnachtssaison wieder in die Charts. Allein auf Spotify hat es weit über 650 Millionen Abrufe.

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Dass die Dinge bei ihm etwas länger brauchen, um sich zu entwickeln, war bei dem 1951 in Middlesbrough geborenen Chris Rea, häufiger der Fall. Der Sohn einer irisch-italienischen Familie, die eine Eisdiele betrieb, lernte erst mit 19 Jahren Gitarre zu spielen. Als er mit seiner Band The Beautiful Losers im Jahr 1975 den Newcomer-Wettbewerb des „Melody Maker“-Magazins gewann, sprang trotzdem kein Plattenvertrag für sie heraus. Erst als Rea die Band verließ und zwei Jahre später sein erstes Soloalbum „Whatever Happened To Benny Santini“ veröffentlichte, kam er erstmals auf die Erfolgsspur – dank des Songs „Fool (If You Think It’s Over)“, der nicht nur in Großbritannien, sondern auch in den USA in die Top 20 einstieg.

Vergleiche mit Mark Knopfler und Eric Clapton

Danach hieß es für den Sänger mit der angenehm tiefen, leicht rauen Stimme wieder Geduld haben. Zwar hatte er auf dem Kontinent, vor allem auch in Deutschland einige Fans, doch bevor er zu einem gefragten Star wurde, dauerte es bis weit in die Achtziger. „On The Beach“ war mit seinem catchy Gitarrenlick 1985 schon ein kleiner Hit, bevor das Album „The Road to Hell“ 1989 in Großbritannien an die Chartspitze kam. Mehrere Singles daraus rotierten durch die Radios. Das zwei Jahre später veröffentlichte Nachfolge-Album „Auberge“ war ähnlich beliebt. Chris Rea wurde damals mit Dire Straits-Chef Mark Knopfler und Eric Clapton verglichen.

Im Jahr 1995 geriet er jedoch auf seine persönliche Straße in die Hölle, als er schwer an der Bauchspeicheldrüse erkrankte und nur knapp überlebte. „Alles, was du getan hast, verliert an Bedeutung, und du fragst dich, warum du dich überhaupt auf dieses Rockgeschäft eingelassen hast“, kommentierte er die Erfahrung in einem Interview – und konzentrierte sich anschließend stärker auf Projekte, die ihm wirklich wichtig waren. Rea gründete sein eigenes Label Jazzee Blue und stürzte sich in ein ambitioniertes Projekt: Inspiriert von Bill Wymans Buch „Blues“ nahm er unter dem Titel „Blue Guitar“ einen Zyklus von elf Alben mit insgesamt 130 Songs auf. Hinzu kamen 50 eigene Gemälde und eine DVD.

In die Charts gelangte seine neue Musik von nun an zwar nicht mehr, doch Balladen-Alben wie „Road Songs for Lovers“ (2017) aufzunehmen, erfüllte den Musiker. Nun ist er im Kreis seiner Familie mit 74 Jahren nach kurzer Krankheit gestorben. Ihm zu Ehren wird „Driving Home For Christmas“ in den nächsten Tagen sicher noch öfter auf den Streamingportalen abgespielt als ohnehin schon. Und wer im Stau steht, sollte es machen wie Rea: Lieber ein Lied schreiben als ärgern.

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Operette „In Frisco ist der Teufel los“: Klassenkampf an der Komischen Oper

Mon, 22 Dec 2025 11:24:06 +0100

Operette „In Frisco ist der Teufel los“: Klassenkampf an der Komischen Oper

Die Komische Oper will das „heitere Musiktheater“ aus DDR-Zeiten dem Vergessen entreißen. Bei „In Frisco ist der Teufel los“ von Guido Masanetz klappt das jetzt ganz hervorragend.

Von Frederik Hanssen

Stand: 22.12.2025, 14:36 Uhr

Ach, hätte Guido Masanetz das noch erleben dürfen: Sein Erfolgsstück, gespielt im Westen! Über 1000-mal wurde „In Frisco ist der Teufel los“ seit der 1962er Premiere am Berliner Metropoltheater aufgeführt, in siebzig verschiedenen Inszenierungen - aber immer nur in der DDR und im sozialistischen Ausland.

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Cyndi-Lauper-Musical „Kinky Boots“: Die Hacken zum Himmel

Thu, 18 Dec 2025 12:14:21 +0100

Cyndi-Lauper-Musical „Kinky Boots“: Die Hacken zum Himmel

Dragqueen rettet Fabrik: Das Broadway-Musical „Kinky Boots“ mit der Musik von Cyndi Lauper hat viele Preise gewonnen. Jetzt ist es in einer englischsprachigen Produktion im Berliner Admiralspalast zu sehen.

Von Nadine Lange

Stand: heute, 12:14 Uhr

Hellbraune Herrenhalbschuhe – stolz in die Höhe gereckt von den Arbeiterinnen und Arbeitern, die sie hergestellt haben. Besungen als das Schönste, was es gibt auf der Welt. Hinter ihren Werkbänken bringen sie den Eröffnungssong des Musicals „Kinky Boots“ im Admiralspalast so enthusiastisch dar, dass man das Produkt tatsächlich für ganz heiße Ware halten könnte.

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„Sopranos“ ist besser als Weihnachten feiern: Ein Buch für alle, die sich dieser Tage enorm unwohl fühlen

Fri, 19 Dec 2025 11:48:04 +0100

„Sopranos“ ist besser als Weihnachten feiern: Ein Buch für alle, die sich dieser Tage enorm unwohl fühlen

Der Berliner Schriftsteller Thorsten Nagelschmidt erzählt in seinem Buch „Nur für Mitglieder“ von seiner Weihnachtsphobie und wie er vor dem Fest nach Gran Canaria flüchtet und die „Sopranos“ schaut.

Von Gerrit Bartels

Stand: 19.12.2025, 11:48 Uhr

Nur noch ein paar Tage, dann ist die Vorweihnachtszeit vorbei, und auch Heiligabend und die beiden sich anschließenden Weihnachtsfeiertage dürften sich schnell erledigt haben. Nicht für alle Menschen, gerade auch in Deutschland, ist Weihnachten die schönste Zeit des Jahres. Zum Beispiel für den 1976 im westfälischen Rheine geborenen Berliner Schriftsteller und Muff-Potter-Musiker Thorsten Nagelschmidt. Weihnachten einfach ignorieren, das wäre ihm am liebsten. Doch so einfach ist es halt nicht.

Also ist er vor zwei Jahren zehn Tage vor Heiligabend nach Gran Canaria geflogen und hat dort ein Appartment in einem Vier-Sterne-Hotel gebucht. Sein Plan: Tag und Nacht „Sopranos“ schauen, alle Staffeln, 86 Stunden und 12 Minuten lang. „Wenn ich am 26.12. abends durch sein und den 27. freimachen will, bevor tags drauf mein Flug zurück nach Berlin geht, muss ich 7,81 Folgen pro Tag schaffen.“

Es geht ihm darum, „irgendwas daraus zu machen“, natürlich ein Buch, so wie einst David Foster Wallace, der nach einer Luxuskreuzfahrt in der Karibik „Schrecklich amüsant, aber in Zukunft ohne mich“ schrieb. Thorsten Nagelschmidts Buch über seinen „Sopranos“-Versuch auf Gran Canaria heißt „Nur für Mitglieder“, das All-Inclusive-Bändchen an seinem Handgelenk zeugt davon, und ist eine Mischung aus Reisereportage, Autobiografie und Essay geworden, mit der Sopranos-Familie als sehr dezentem Leitmotiv.

Nagelschmidt treibt sich in seiner Hotelanlage in Maspalomas herum, anderthalb Kilometer vom Meer entfernt, registriert, wie wenig schön das alles ist, ein „Nicht-Ort“, beobachtet die Miturlauber, vor allem aus England, lernt den einen oder die andere kennen, ohne sich intensiver mit ihnen bekannt zu machen, versagt sich aber die Boshaftigkeit und Bissigkeit von David Foster Wallace nach seiner Kreuzfahrt. Schließlich ist er dazu da, „Sopranos“ zu schauen, Abstand von Weihnachten zu bekommen, sich nicht ausgeliefert zu fühlen.

Der Musiker und Autor Thorsten Nagelschmidt, hier nicht auf Gran Canaria, sondern im Sommerbad Humboldthain in Berlin.

Man hat zu Beginn der Lektüre ein bisschen Angst, zumal wenn man „Sopranos“ nicht kennt (doch wer kennt sie nicht?), dass Nagelschmidt nun noch einmal das Geschehen dieser Serie referiert, das, was er da Folge für Folge schaut, und zwischendrin nicht mehr als den alles andere als aufregenden, wenig hergebenden Urlaubsalltag in einem durchschnittlichen Kanaren-Hotel beschreibt.

Doch glücklicherweise belässt er es nicht dabei, da gibt es ja noch die Weihnachtsproblematik. So zieht er zu dem Hotel- und den „Sopranos“-Strang einen dritten Strang in sein Buch und erzählt die Geschichte seiner Weihnachten von Kind an und damit die Geschichte einer durchschnittlichen westdeutschen Familie, die es nicht schafft, zusammenzubleiben.

„Die Ehe meiner Eltern war keine glückliche, und das wohl von Anfang an“. Nachdem die Eltern sich getrennt haben, da ist Nagelschmidt, zehn, elf Jahre alt, ist es endgültig vorbei mit den sowieso zweifelhaften Weihnachtsfreuden. Nagelschmidt wird zum Weihnachtsphobiker, und aus „Nur für Mitglieder“ wird nach und nach das Psychogramm eines Schriftstellers entlang der Feste von seiner Jugend an.

Nagelschmidt sinniert über Familienzusammenhänge und die Familie als Kern alles Gesellschaftlichen, er reflektiert die Geschichte des Weihnachtsfestes, vor allem unter Zuhilfenahme von Karl-Heinz Götterts Untersuchung „Weihnachten. Biografie eines Fests“, so wie er überhaupt mit so einigen Fußnoten arbeitet, unaufdringlich, mitunter schlagend.

Sind die Menschen derart verdummt?

Zum Beispiel von Fritz J. Raddatz: „Sind die Menschen – von diesem wild gewordenen Kapitalismus – derart verdummt, ihre Neugier aufs Format der Mattscheibe reduziert und ihre Fantasie reduziert aufs Nachahmen von ,Cocktailglas am Swimmingpool’, was sie auf irgendeiner Werbefotografie gesehen haben?“

Nicht zuletzt erzählt Nagelschmidt die eigene Krankheitsgeschichte, die einer durchaus manifesten Depression nicht nur zu eben jenen Festtagen, bis hin zu einem Zusammenbruch im Dezember 2022.

Erstaunlich dabei, mit was für einer Ruhe und Akribie er sich den Weihnachtsfeiern der Familie seiner Freundin widmet, wie er diese beschreibt und sich telefonisch von ihr auf Stand bringen lässt - ein im Grunde widernatürliches Weihnachten in der Hotelanlage einer kanarischen Insel hat da durchaus therapeutischen Charakter.

Doch noch erstaunlicher ist, wie Nagelschmidt sein Schicksal mit dem von Tony Soprano zu kreuzen vermag, wie er in den mitunter skurrilen Sitzungen von Tony bei Dr. Melfi eigene Deformationen zu erkennen meint, bis hin zu einem Backenzahn, der plötzlich Probleme macht. Warum also nicht den Hotelgast, der Zahnarzt zu sein scheint, fragen, ob er nicht einmal in seinen Mund schauen könnte?

„Ich ziehe mir Schuhe an, nehme den Aufzug nach unten und frage den Rezeptionisten, ob der schwule deutsche Angeberzahnarzt vom Pool noch da sei.“ Das ist fast schon „Sopranos“-Humor, so wie Dr. Melfi von Christmas als „Stressmas“ spricht. Ob Thorsten Nagelschmidt seinen Frieden mit Weihnachten gemacht hat? Das Ende des Buches legt das nahe, und wenn Frieden, dann doch bitte zu Weihnachten. Sicher ist, was für ale Weihnachtsphobiker und -phobikerinnen sowieso das beste Sedativum ist, dass die Chose sich in ein paar Tagen wieder erledigt hat. Dann stellen sich schon wieder neue Fragen: Was geht Silvester? Wie wird das neue Jahr?

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ARD-Eventserie „Schwarzes Gold“: Ölrausch in der Lüneburger Heide

Sun, 21 Dec 2025 09:12:51 +0100

ARD-Eventserie „Schwarzes Gold“: Ölrausch in der Lüneburger Heide

Revolverhelden, schurkenhafte Großbauern und eine toughe Heldin machen aus dem Historienstoff über den deutschen Ölboom um 1900 einen Heimatwestern. Die Unwahrscheinlichkeitsskala der Handlung? Nach oben offen.

Von Gunda Bartels

Stand: 22.12.2025, 12:32 Uhr

Gerade wollte man aufatmen, in der Hoffnung, dass die deutschen Fernsehmacher nach Oktoberfest- und Mozart-Serie langsam wirklich jeden saftigen Historienstoff verwurstet hätten, da kommt schon die nächste Kostümshow um die Ecke.

Wer noch aus seligen Fernsehmuseumszeiten das texanische Dallas samt fiesem Ölbaron J. R. Ewing für das Serienmekka der Ölgier hält, wird sich nun den Namen Wietze einprägen müssen.

In diesem Kaff am Rand der Lüneburger Heide ereignet sich nicht nur in „Schwarzes Gold“, sondern auch in der Realität um 1900 ein Ölförderboom, von dem heute noch das dort ansässige Deutsche Erdölmuseum erzählt.

Schon 1858 gelingt in Wietze eine der weltweit ersten erfolgreichen Erdölbohrungen. In einem sonst von ärmlicher Heidebauernwirtschaft dominierten Landstrich. Bis in die 1960er Jahre prägt die Erdölindustrie den anwachsenden Ort, und zwischen 1900 und 1920 liefert das Heidedorf, das Arbeiter von überall her anwirbt, bis zu 80 Prozent der gesamten deutschen Erdölförderung.

Wenn das nicht mal ein überraschender deutscher Serienstoff ist! Wie einst Jack London und Charlie Chaplin, die das dramatische Material menschlicher Geldgier am Beispiel des US-Goldrauschs am Klondike in Roman und Film verwandelten, haben auch Headautor Justin Koch und das Regieduo Nina Wolfrum und Tim Trachte das Blut-, Schweiß- und Tränen-Potenzial erkannt, das in der Ölsuppe schwappt.

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Die Gier nach Geld und Macht, Hoffnung auf den Durchbruch ländlicher Klassenhierarchie, patriarchaler Größenwahn, eine Familienfehde samt verbotener Liebe mit Capulet- und Montague-Appeal, Ausbeutung, Arbeitsmigration, Arbeiterstreik, Kulturclash von Agrar- und Industriegesellschaft, Ökofrevel, Bauernstolz, Männergewalt, Frauenwiderstand, frühe Umweltaktivisten und korrupte Polizei – in „Schwarzes Gold“ gibt es nichts, was es nicht gibt.

Bohrtürme in der Lüneburger Heide: In der Dokumentation, die die ARD-Serie begleitet, kann man Fotos der echten sehen.

Trotzdem entfaltet sich die Serienmechanik zu Beginn mit vielen Beautyshots lilafarbener Heidepanoramen in niedersächsischer Gemächlichkeit. Während das Drehbuch noch die Exposition durch den Totalabsturz der Bauernfamilie Lambert entwickelt, die erst den Schafstall (wieso Schafe und nicht ortstypische Heidschnucken?), dann den Hausvater und schließlich ihren erdölträchtigen Waldboden an den Großbauern Pape (Tom Wlaschiha, bekannt aus „Game of Thrones“ und „Stranger Things“) verliert, stellt sich schon die bei Serien aus einheimischer Produktion übliche Vorhersehbarkeit des Plots ein.

Bauernforken gegen Ökofrevler: Martha Lambert (Jessica Schwarz, l.) und Tochter Johanna (Harriet Herbig-Mattern, Mitte) führen die Bauern an, die gegen die Ölverschmutzung ihrer Wiesen protestieren.

So eignet sich „Schwarzes Gold“ mitsamt der aufwendigen High-End-Ausstattung und den pittoresken Fachwerk- und Reetdach-Ansichten aus dem Museumsdorf Hösseringen im Landkreis Uelzen, einem der Hauptdrehorte, allerliebst als beruhigendes Unterhaltungsfutter zum Ende eines sorgenvollen Jahres.

Was die Schauwerte angeht, wird die Saga um Johanna Lambert (Harriet Herbig-Matten, bekannt aus „Maxton Hall“), einer armen Bauerntochter, die sich im Kampf gegen den skrupellosen Patriarchen Pape zur Jeanne d’Arc der Ölarbeiter mausert, erst richtig sexy durch die Hüte. Das Regieduo Wolfrum und Trachte hat sich offenbar Andreas Prochaskas Alpenwestern „Das finstere Tal“ von 2014 gut angeschaut und erkannt: Coole Westernhüte sind die halbe Miete.

Männer fürs Grobe: Die harten Jungs des Ölbarons Pape halten die Arbeiter im Westernstyle in Schach.

Hans Zimmers musikalischer Westerntouch

Mitsamt dem von Hans Zimmer und Aleksey Igudesman mit Westerngitarren, Mundharmonika-Motiven und Akkordeonklängen auf Countryfolk getrimmten Score, den für das Westerngenre typischen Landschaftspanoramen und klassischen Showdown-Einstellungen der Pistoleros nimmt sich die Heide, ein beliebtes 50er-Jahre-Heimatfilmmotiv, doch gleich viel internationaler aus. Sogar einen Postkutschen – äh, einen Ölkutschen-Überfall gibt es.

Johanna Lambert (Harriet Herbig-Mattern) muss als Schikane im Schweiße ihres Angesichts den kargen Heideacker bestellen.

Dass die für die Produktion federführende ARD-Anstalt, der Norddeutsche Rundfunk, dem eigenen Lokalkolorit in der Sprache der Protagonisten so wenig zutraut, ist ein deutliches Manko. Jessica Schwarz als verhärmte Bäuerin Martha Lambert und Lena Urzendowsky als von Zwangsverheiratung bedrohte Großbauerntochter Luisa Pape parlieren in feinstem Hochdeutsch, teils gar in heutigem Vokabular, ohne dass das nach subtiler künstlerischer Absicht klingt. Das kostet Authentizität und Atmosphäre.

Wenn man Publikum und Ensemble schon kein Heidjer-Plattdeutsch zumuten möchte, wie es um 1900 in Wietze jeder und jede Frau sprach, sind bei Historiensettings inzwischen oft Mischformen oder eine mit Akzent versehene Tonalität, in diesem Fall eine norddeutsche Sprachfärbung, State of the Art.

Der skrupellose Großbauer Wilhelm Pape (Tom Wlaschiha) wittert das große Öl-Geld.

In Fatih Akins Kinodrama „Amrum“ konnte man kürzlich erst erleben, wie viel Identität es einem Historienthema bringt, wenn die Schauspielerinnen ein paar Sätze in der Friesensprache Ömrang draufhaben. Im Alpenraum – siehe Matti Geschonnecks jüngstes ZDF-Historiendrama „Sturm kommt auf“ – ist man da schon lange deutlich selbstbewusster. „Schwarzes Gold“ schielt dagegen auch mit der Figur des britischen Unternehmers Tyler Robertson (Marton Csokas), der als Strippenzieher einer im Entstehen begriffenen Weltindustrie inszeniert ist, auf eine internationale Auswertung.

Worauf sich derzeit viele Drehbuchautoren und -autorinnen einigen können, das prägt auch „Schwarzes Gold“: ein feministischer Angang. Frauenfiguren, die handeln, die wüten, die töten und nicht nur lieben und leiden. Das entspricht zwar nicht den Realitäten um 1900, aber die Serie ist schließlich Kintopp aus dem 21. Jahrhundert. Da dürfen moderne Zugänge sein, auch wenn Johannas Leben als einziges weibliches Mitglied des Ölarbeiterlagers verwunderlich wirkt.

Hier trainiert der Arbeitsmigrant Jakub Mazurak (Slavko Popadic) die von der Mutter wegen ihrer Eigenmächtigkeit verstoßene Johanna im Boxen. Großbäuerin Elisabeth (Henny Reents) hat auf dem Pape-Hof bei den Finanzen die Hosen an. Und Sohn Richard (Aaron Hilmer), Johannas Jugendliebe, mimt als Gewalt verabscheuender Softie den niedersächsischen neuen Mann.

Es ist eine Gesellschaft im Umbruch, die „Schwarzes Gold“ erzählt, und dabei dramaturgisch gern mal auf die nach oben offene Unwahrscheinlichkeitsskala haut. Die Schießereien und das unterlaufene Waffenverbot unter den rauen Gesellen auf den Ölfeldern des Klein-Texas in Wietze, die sind historisch verbürgt.

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„Diese Wut, dieser Hass“: Kerkeling prangert Verrohung der Gesellschaft an

Mon, 22 Dec 2025 11:55:43 +0100

„Diese Wut, dieser Hass“: Kerkeling prangert Verrohung der Gesellschaft an

Er muss im Internet auch viele Ungeheuerlichkeiten über sich selbst lesen, sagt der Komiker Hape Kerkeling. Wie er über eine Gesellschaft denkt, die manchmal „kurz vor dem Sturm auf die Bastille“ zu stehen scheine.

Stand: 22.12.2025, 11:55 Uhr

Der Komiker und Autor Hape Kerkeling kritisiert eine Gesellschaft, in der das System infrage gestellt werde – und man mit Humor nicht mehr weiterkomme. „Wenn Sie im Internet gucken, was da passiert, haben Sie das Gefühl, wir sind kurz vor dem Sturm auf die Bastille. Diese Wut, dieser Hass“, sagte Kerkeling in einem am Montag veröffentlichten Interview mit dem „Spiegel“.

Er müsse einiges über sich selbst lesen: „Ich würde ‘von diesem System bezahlt’, damit ich gegen die AfD rede! Herr Scholz hat mir keine müde Mark gegeben, Herr Merz auch nicht. Dieser Blödsinn, den die Leute im Netz wirklich glauben und – mit Hass, Häme und Spott versehen – weitertransportieren, in einer Art und Weise, dass es tatsächlich verboten gehört“, so Kerkeling.

„Aber der Gesetzgeber hat angeblich keine Möglichkeit, dagegen vorzugehen! Wir sind auf einem Niveau der Verrohung in diesem Land, also, wenn wir das jetzt nicht zurückholen, ist in zwei Jahren Ladenschluss“, so der 61-Jährige.

„Extrawurst“ – Film über Rassismus

Anfang des Jahres kommt ein neuer Film mit Hape Kerkeling in die Kinos: „Extrawurst“, in dem es um rassistische Ressentiments geht. „Wir hangeln uns da auch ein bisschen an der Geschichte der Bundesrepublik entlang. Und zum Entstehen und Aufblühen dieser unserer Bundesrepublik gehört eben auch die Geschichte unserer Einwanderer“, sagte Kerkeling. Der Umgang mit Migranten sage etwas über die Verfasstheit des Landes aus.

„Dieser Umgang war nicht immer glücklich, war nicht immer richtig, war sehr oft nur ungelenk und nicht selten noch stark beeinflusst durch eine Zeit, die wir alle gerne schnell vergessen wollten, an die wir uns aber hier und da etwas deutlicher hätten erinnern müssen, um zu verhindern, dass wir wieder in ähnliche Unmenschlichkeiten hineinrutschen“, so Kerkeling. (KNA)

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Die besten Comics des Jahres: Ulli Lusts „Die Frau als Mensch“ führt Kritiker-Bestenliste für 2025 an

Mon, 22 Dec 2025 07:37:11 +0100

Die besten Comics des Jahres: Ulli Lusts „Die Frau als Mensch“ führt Kritiker-Bestenliste für 2025 an

30 deutschsprachige Journalistinnen und Journalisten haben die besten Comics des Jahres gewählt. Hier gibt es das Ergebnis.

Von Lars von Törne

Stand: 22.12.2025, 07:37 Uhr

Es wurde im Sommer 2025 als erster Comic überhaupt mit dem Deutschen Sachbuchpreis ausgezeichnet, stand weit oben auf der „Spiegel“-Bestsellerliste und führt im aktuellen Weihnachtsgeschäft die Bestsellerliste von Prolit an, die die Top-Titel von rund 170 unabhängigen Verlagen präsentiert.

Jetzt hat „Die Frau als Mensch. Am Anfang der Geschichte“ (Reprodukt, 256 Seiten, 29 Euro), das aktuelle Buch der Berliner Autorin und Zeichnerin Ulli Lust, eine weitere Auszeichnung bekommen: Es wurde von einer Jury aus 30 Comicfachleuten zur besten Veröffentlichung des Jahres gewählt.

Die Jury, der auch der Autor dieses Artikels angehört, besteht aus 30 deutschsprachigen Journalistinnen und Journalisten, die alle drei Monate die aus ihrer Sicht besten neuen Comic-Veröffentlichungen bewerten. Der Tagesspiegel präsentiert die Ergebnisse in Kooperation mit der Fachzeitschrift „BuchMarkt“, der Website Comic.de und dem RBB-Sender Radio 3. Die Jahresbestenliste ergibt sich aus den kumulierten Abstimmungsergebnissen der vergangenen vier Quartale.

In „Die Frau als Mensch“, dessen zweiter Teil im Februar 2026 beim Berliner Reprodukt-Verlag erscheinen soll, rekapituliert die international erfolgreiche Berliner Zeichnerin („Heute ist der letzte Tag vom Rest deines Lebens“) neue Erkenntnisse zur menschlichen Frühgeschichte, in denen Frauen eine wichtigere Rolle als in der klassischen Ethnologie und Archäologie zukommt.

Die Dekonstruktion klassischer, meist männlich geprägter Narrative über Männer, Frauen und die Entwicklung der Menschheit ist eines der verbindenden Elemente der Episoden in Lusts Buch. Ausgehend von der eigenen Verwunderung darüber, dass Frauenkörper und weibliche Sexualität in heutigen Gesellschaften grundlegend anders als die von Männern behandelt werden, spürt die 58-Jährige der Frage nach, woher das kommt und ob es auch anders geht.

Sie verbindet das mit persönlichen Anekdoten und humorvollen Beobachtungen zum Verhältnis der Geschlechter in der Gegenwart. Dieser Titel ist auch im Ausland gefragt, wie das „Börsenblatt“ kürzlich meldete: Nach Angaben des Reprodukt-Verlags wurden demnach bislang Lizenzen nach China, Frankreich, Italien, Südkorea, Polen, Schweden, Spanien und in die USA verkauft. Mehr zu Ulli Lusts Buch hier.

Auf Platz zwei der kumulierten Kritiker-Liste kam eine weitere deutsche Eigenproduktion: „Schweigen“ (Avant, 368 Seiten, 39 Euro), das neue Buch der Hamburger Comicautorin Birgit Weyhe, die einige Jahre lang auch für den Tagesspiegel gezeichnet hat. In ihrem dokumentarischen Werk arbeitet sie die Verbrechen der Militärdiktatur in Argentinien auf und untersucht deutsche Verstrickungen mit dem Regime.

Weyhe zeichnet in „Schweigen“ die Schicksale zweier in Argentinien lebender Frauen mit deutschen Wurzeln nach. Sie wurden auf unterschiedliche Weise zu Opfern der Diktatur, deren Verbrechen auch 40 Jahre später nur teilweise aufgearbeitet und juristisch geahndet sind.

Zeichnerisch nutzt die in Deutschland geborene und in Ostafrika aufgewachsene Weyhe ein von ihr in den vergangenen 15 Jahren etabliertes visuelles Vokabular. Das kennt man bereits aus ihren vielfach prämierten Büchern „Madgermanes“, „Rude Girl“ oder „Lebenslinien“, in denen außergewöhnliche, in der Regel mehrere Kulturen verbindende Biografien vermittelt werden. Eine ausführliche Rezension von „Schweigen“ gibt es hier.

Auf Platz drei der Bestenliste kam das neue Buch des Belgiers Olivier Schrauwen, der seit vielen Jahren in Berlin lebt: „Sonntag“ (aus dem Englischen von Christoph Schuler, Edition Moderne, 472 Seiten, 45 Euro). Auf fast 500 Seiten zeichnet Schrauwen minutiös einen Tag im Leben seines Protagonisten nach. Meisterhaft spielt er in seiner zuerst als Heftreihe bei Colorama veröffentlichten Erzählung mit den formalen Möglichkeiten der Kunstform Comic und erweist sich ein weiteres Mal als reflektierter Erzähler.

Mit diesem neuen Werk, an dem er sechs Jahre gearbeitet hat, ist Schrauwen ein beachtliches Kunststück gelungen: Während der Sonntag, den sein ziemlich unsympathischer und grobschlächtiger Protagonist erlebt, an Eintönigkeit kaum zu überbieten ist, ist das Buch „Sonntag“ außergewöhnlich witzig, klug und unterhaltsam.

Die Hamburger Zeichnerin Isabel Kreitz kam mit ihrem neuen Buch „Die letzte Einstellung“ (Reprodukt, 312 Seiten, 29 Euro) auf Platz vier. In dessen Mittelpunkt steht die fiktive, Erich Kästner nachempfundene Figur des Schriftstellers Heinz Hoffmann, der sich nach der Machtübernahme Hitlers 1933 entscheidet, trotz seiner Ablehnung der Nationalsozialisten und eines Berufsverbots als Autor in Deutschland zu bleiben.

Die Folgen dieser Entscheidung vermittelt Kreitz in handwerklich meisterhaften, naturalistisch gehaltenen Schwarz-Weiß-Zeichnungen. Am Beispiel Heinz Hoffmanns erzählt Kreitz von Widersprüchen und Konflikten, die mit dem Alltag im NS-Staat einhergingen, wenn man sich als Hitler-Kritiker verstand, aber unter dessen Regime überleben wollte. Mehr zu dem Buch hier.

Auf Platz fünf kam der Franzose Luz mit „Zwei weibliche Halbakte“ (aus dem Französischen von Lilian Pithan, Lettering: Minou Zaribaf/Font: Luz, Reprodukt, 192 Seiten, 29 Euro). In dieser Graphic Novel erzählt der ehemalige „Charlie Hebdo“-Zeichner anhand eines Gemäldes vom Aufstieg der Nationalsozialisten in Deutschland. Das Besondere dabei: Die gesamte Handlung wird aus Sicht von Otto Muellers Bild „Zwei weibliche Halbakte“ erzählt, das so zur Hauptfigur der Geschichte wird. Mehr über das Buch und seinen Autor hier.

Romain Renards Neo-Western-Thriller „Wiedersehen mit Comanche“ (Übersetzung Anne Bergen, Splitter-Verlag, 152 Seiten, 35 Euro) landete auf dem sechsten Platz. Der belgische Zeichner taucht mit seinem Werk tief in die Geschichte der USA ein – und in die des europäischen Comics. Sein Album um den einstigen Wild-West-Revolverhelden Cole Hupp, besser bekannt als Red Dust, ist eine Hommage an die 70er-Jahre-Westernserie „Comanche“ von Hermann Huppen und Michel Louis Albert Régnier alias Greg.

Auf Platz sieben kam die künstlerische Auseinandersetzung mit einem Schriftsteller, dessen Geburtstag sich gerade zum 150. Mal jährte: „Mein Freund Rilke“ (Carlsen, 192 Seiten, 26 Euro) von Melanie Garanin. Die Berliner Comiczeichnerin versetzt den Dichter anlässlich des Jubiläums in das Jahr 2025. „Ein kluges Aufeinandertreffen von Wirklichkeit und Fiktion“, urteilte Birte Förster in ihrer Rezension des Buches im Tagesspiegel.

Den achten Platz teilen sich zwei Bücher, die beide exakt die gleiche Punktzahl bekamen.

Das eine ist der Hardcover-Sammelband einer viel gelobten US-Krimireihe, die derzeit für Amazon Prime verfilmt wird: Die Deluxe Edition von Ed Brubakers und Sean Phillips’ „Criminal“ (Band 1, Übersetzung Bernd Kronsbein und Resel Rebiersch, Schreiber & Leser, 432 Seiten, 49,80 Euro). Die düsteren Episoden, in denen Kriminelle und Berufsverbrecher im Zentrum stehen, sind von klassischen Noir-Krimis inspiriert. Mehr dazu hier.

Ebenfalls auf Platz acht kam ein Titel aus Japan, von dem kürzlich der zweite Band erschienen ist: Taiyo Matsumotos „Tokyo dieser Tage“ (aus dem Japanischen von Daniel Büchner, Lettering: diceindustries/Font: Uli Oesterle, Reprodukt, je 240/216 Seiten, je 20 Euro). In dem auf drei Bände angelegten Werk erzählt der Japaner, dessen Zeichenstil eher an westliche Independent-Comics als an Mainstream-Manga erinnert, dieses Mal nicht wie in mehreren früheren Werken von jugendlichen Außenseitern oder übernatürlichen Phänomenen, sondern es geht um die Beziehungen zwischen Mangazeichnern und ihren Redakteuren sowie um das Lebensgefühl in Tokyo.

Platz zehn belegt Jacques Tardis Album „Nestor Burma: Rififi in Menilmontant“ (Übersetzung: Resel Rebiersch, Verlag Schreiber & Leser, 200 Seiten, 29,80 Euro). Darin beschert der französische Comicveteran dem von Léo Malet (1906–1996) geschaffenen Pariser Privatdetektiv Nestor Burma nach rund 25 Jahren ein neues Abenteuer. Die in der Vorweihnachtszeit angesiedelte Geschichte spielt im 20. Pariser Arrondissement, wo auch Tardi selbst lebt. Mehr zu diesem Titel hier.

Die Jury

Niels Beintker (Bayerischer Rundfunk)
Barbara Buchholz (Der Tagesspiegel, Schnüss)
Anne Delseit (Animania)
Christian Endres (die zukunft, Geek!, Der Tagesspiegel)
Birte Förster (Titel Kulturmagazin, Der Tagesspiegel)
Gerhard Förster (Die Sprechblase)
Christian Gasser (Radio SRF 2, Neue Zürcher Zeitung)
Meheddiz Gürle (Lektoratsdienste des ekz.bibliotheksservice)
Christoph Haas (Süddeutsche Zeitung, taz. die tageszeitung)
Volker Hamann (Alfonz, Reddition)
Andrea Heinze (Deutschlandfunk, rbb Kultur)
Jule Hoffmann (Deutschlandfunk Kultur)
Sven Jachmann (Comic.de, DieZukunft.de, Tagesspiegel)
Alex Jakubowski (ARD-aktuell, Comic-Denkblase)
Lucas Sebastian Jordan (Manga Passion)
Martin Jurgeit (Buchreport, die neunte)
Michael Klamp (Ostsee-Zeitung, Rostock)
Karin Krichmayr (Der Standard)
Gerrit Lungershausen (Comicgate, Comic.de, Closure)
Mattes Penkert-Hennig (Dein Antiheld)
Claudia Reicherter (Reutlinger General-Anzeiger)
Martin Reiterer (Wiener Zeitung)
Volker Robrahn (Comic-Talk)
Martin Schöne (3sat)
Sabine Scholz (Animania, Der Tagesspiegel)
Christa Sigg (Abendzeitung)
Anna Mháire Stritter (Orkenspalter TV)
Lars von Törne (Der Tagesspiegel)
Ralph Trommer (taz.die tageszeitung)
Gesa Ufer (Deutschlandfunk Kultur, rbb radioeins)

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Ein TV-Rätsel wird gelöst: Was geschah vor dem „Dinner for One“?

Sun, 21 Dec 2025 10:28:53 +0100

Ein TV-Rätsel wird gelöst: Was geschah vor dem „Dinner for One“?

Starpower und Sketchparade: Amazon Prime bietet das sechsteilige Prequel „Miss Sophie“ zum Silvester-Klassiker – mit durchwachsenem Ergebnis.

Von Joachim Huber

Stand: 22.12.2025, 06:24 Uhr

„The same procedure as every year, James!“, befiehlt Miss Sophie, und ihr Butler James folgt ihr mit dem Versprechen „Well, I’ll do my very best!“ ins Obergeschoss.

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Kompromissloser Österreicher: Meister der Übermalung – Künstler Arnulf Rainer gestorben

Sun, 21 Dec 2025 18:23:22 +0100

Kompromissloser Österreicher: Meister der Übermalung – Künstler Arnulf Rainer gestorben

Die Farbe Schwarz spielte im Leben des Österreichers eine dominante Rolle. Übermalungen begründeten seinen künstlerischen Aufstieg.

Stand: 21.12.2025, 18:50 Uhr

Auf der internationalen Kunstbühne war Arnulf Rainer der österreichische Provokateur mit Hang zur Düsternis. „Ich wollte spezifische Themen malen. Aber dabei ist mir nur Schwarz, Schwarz, Schwarz eingefallen“, sagte er einmal. Inspiriert von französischen Surrealisten und dem Informel fand der Autodidakt in den 1950er und 1960er Jahren zu einer ganz eigenen Bildsprache: Das übermalte Gesicht - sei es von Gemälden oder Fotografien - wurde zu einer Ikone österreichischer Nachkriegskunst.

Sein Ruhm wuchs, die Auszeichnungen kamen und die wichtigen Museen dieser Welt griffen zu. „Ich werde behandelt wie ein toter Künstler“, sagte er 2014 mit Blick auf das große Interesse an seinem Werk. Mit 96 Jahren ist Rainer, der unter anderem auf Schloss Vornbach nahe Passau residiert hatte, gestorben. Das teilte das Arnulf Rainer Museum in Baden bei Wien mit.

Seine frühen bunten Farbbahnen hatten einen streng-heiteren Charakter, aber Rainer war sich bald sicher, „dass die Qualität und die Wahrheit des Bildes nur wächst, wenn es sich mehr und mehr verdunkelt“. Seine oft monochromen Werke tragen Titel wie „Schwarze Zumalung“ (1958) oder „Übermalung schwarz weiß“ (1961). In „Schwarze Rinnen“ (1974) erinnert ein mit schwarzem, grobem Pinselstrich und Klecksen übermalter halb nackter Mann an eine Leidensfigur.

Da Vinci und Van Gogh verfremdet

Auch vor der Verfremdung Alter Meister schreckte Rainer nicht zurück. „Ich hatte es satt, immer nur mich selbst zu überzeichnen“, begründete er den Schritt. Er interpretierte eine „Mona Lisa“ oder ein Selbstporträt Van Goghs mit dickem Pinselstrich auf seine ganz eigene, nicht unumstrittene Weise.

Geprägt haben Rainer, geboren 1929 in Baden bei Wien, die Erfahrungen in einer Erziehungsanstalt der Nazis, in der er von 1940 bis 1944 litt. Statt Gehorsam kultivierte er das Rebellische. Fantasie faszinierte ihn. Er hatte Talent im Übermaß. An zwei Kunsthochschulen wurde er angenommen, beide Male ging er nach wenigen Tagen wieder, weil er sich von Lehrern ungerecht behandelt fühlte.

1950 gründete er die kurzlebige „Hundsgruppe“. Er experimentierte mit „Blindmalerei“, malte bei geschlossenen Augen, schuf Werke im Alkohol- und Drogenrausch und beschäftigte sich mit der Kunst von psychisch Kranken.

Totenmasken und Atombomben-Abwürfe

Ab 1963 arbeitete Rainer in verschiedenen Studios in Berlin, München, Köln und schließlich Wien. 1977 nahm er an der documenta 6 teil, ein Jahr später vertrat er Österreich bei der Biennale von Venedig. Im November 1978 erhielt er den Großen Österreichischen Staatspreis.

2006 bekam er als erster nicht-spanischer Künstler den Aragón-Goya-Preis für sein Lebenswerk - das schier unüberschaubar geworden ist. Es umfasst übermalte Sterbegesichter, Totenmasken, übermalte Fotos der Bombenabwürfe von Hiroshima und Nagasaki. Die Themen Körper und Tod wurden von ihm immer wieder hinterfragt.

Dutzende Bilder beschädigt

13 Jahre lang war Rainer Professor an der Akademie der bildenden Künste in Wien. 1994 wurden 36 Bilder, die in seinem Akademie-Atelier aufbewahrt waren, von Unbekannten beschädigt. Nach diesem Schock ließ sich Rainer emeritieren. „Das war mein größter Schicksalstag als Maler“, erinnerte er sich später.

2009 wurde in seiner Geburtsstadt Baden das eigens ihm gewidmete Museum eröffnet. Rainer versuchte seine Schaffenskraft bis ins hohe Alter zu retten. „Ich bin ein Mensch, der immer arbeiten muss“, bekannte Rainer, der sich selbst als „Inselbegabung“ bezeichnete. Die Bilder wurden auf dem Boden ausgebreitet, an einem Bambusstock ein Pinsel befestigt - so arbeitete der Maler, der als unbeugsam bekannt war.

Der Direktor des Wiener Aktionismus Museums, Klaus Albrecht Schröder, würdigte den Künstler in einem Nachruf als „kompromisslos“: Österreich verliere „einen der radikalsten Erneuerer der internationalen Nachkriegskunst“. (dpa)

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Schillers „Die Räuber“ am Deutschen Theater: Laberflash vor der gelben Wand

Sun, 21 Dec 2025 14:09:31 +0100

Schillers „Die Räuber“ am Deutschen Theater: Laberflash vor der gelben Wand

Vom Lesedrama zum Rededrama. Claudia Bossard inszeniert Schillers Klassiker am Deutschen Theater als Diskurs-Potpourri im Retro-Chic. Das Reclam-Regal probt den Aufstand.

Von Christine Wahl

Stand: 21.12.2025, 18:21 Uhr

Reclam braucht keine Reklame. Mit diesem selbstbewussten Werbeslogan machte der Verlag der kleinen gelben Klassiker-Heftchen einst klar, dass er es eigentlich gar nicht nötig hat zu werben, weil er längst in allen Bücherregalen zu Hause ist. Heute, wo schon das Bücherregal als solches eher Retro-Charakter hat, prangt der Spruch über der Bühne des Deutschen Theaters Berlin. Klar, es ist jetzt nicht mehr die Art Ironie, die einen vom Sitz haut. Aber man kann ihn schon mal machen, diesen kleinen Joke. Zumal bei Friedrich Schillers (Reclam-)Klassiker „Die Räuber“, der ja ursprünglich tatsächlich als Lesedrama gedacht war.

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„Sie verachten den Staat“: Wotan Wilke Möhring kämpft im furiosen „Tatort“ gegen die Mocro-Mafia

Thu, 18 Dec 2025 15:02:34 +0100

„Sie verachten den Staat“: Wotan Wilke Möhring kämpft im furiosen „Tatort“ gegen die Mocro-Mafia

In einer Doppelfolge um jugendliche Auftragskiller gibt Denis Moschitto seinen „Tatort“-Einstand als Ermittler an der Seite von „Falke“ Wotan Wilke Möhring.

Von Markus Ehrenberg

Stand: 21.12.2025, 16:00 Uhr

Blutspuren in einem leer stehenden Campingwagen in der deutsch-niederländischen Grenzregion, die auf ein rätselhaftes Verschwinden des verdeckten Ermittlers Carsten Kellmann aka Joe Glauning hinweisen. Bundespolizist Thorsten Falke und sein neuer Kollege, Cyber-Kriminalist Mario Schmitt, sollen aufklären.

Gemeinsam mit ihrer niederländischen Kollegin Lynn de Baer (Gaite Jansen) finden Falke (Wotan Wilke Möhring) und Schmitt (Denis Moschitto) Indizien für eine blutige Gewalttat, nicht wissend, ob der verdeckte Ermittler entführt wurde oder ob er zur Mocro-Mafia und ihrem gefürchteten Chef, dem inhaftierten Ahmed Saidi, übergelaufen ist.

Zwei Länder, zwei Ermittler, zwei Folgen – der NDR schickt zur Einführung von Falkes neuem Kollegen eine XXL-Ausgabe ins Rennen: „Tatort: Ein guter Tag/Schwarzer Schnee“ (Sonntag, ARD 20:15 und 21:45 Uhr) und bläst die Geschichte um Drogenhandel, Geldwäsche, Gangsta-Rap und einen Vater-Sohn-Konflikt im Mafia-Clan mächtig auf.

Gemeinsam findet das deutsch-niederländische Ermittler-Trio am Ende der ersten Folge den schwer gefolterten und nun offenbar verrückt gewordenen Kellmann (grandios im Identitätswechsel: Andrei Viorel Tacu), der einen Kompagnon im Auftrag der Mocro-Mafia umgebracht zu haben scheint.

Falke (Wotan Wilke Möhring) kommt zu spät zur Verabredung. Neukollege Mario Schmitt (Denis Moschitto, re.) beginnt die Zusammenarbeit mit einer Rüge.

Die Ermittler kommen im Zusammenhang mit weiteren Auftragsmorden einem geplanten Geschäft der Mocro-Mafia in Emden auf die Spur. Dieses hat Karim Saidi, der Rapper-Sohn des inhaftierten Paten der Mocro-Mafia, initiiert, worauf der verdeckte Ermittler Joe Glauning bei seinen Recherchen gestoßen war.

Sie nehmen uns nicht ernst. Und sie verachten den Staat.

Falkes Kollegin Kollegin Lynn de Baer über jugendliche Auftragskiller und die Mocro-Mafia, die mit Rauschgifthandel, Entführungen und Auftragsmorden aus den Niederlanden aktiv ist, auch in NRW und Niedersachsen.

Es hat schon leichtere Jobs für Falke/Möhring gegeben, nicht nur wegen des überlangen „Tatorts“. Der neue Kollege Schmitt ist mit seiner Vorliebe für Vanilletabak, Powernaps und InEar-Kopfhörern bei der Arbeit (er hört Denkmusik von U2, die den präfrontalen Kortex stimulieren soll) mindestens genauso gewöhnungsbedürftig wie der in der Psychiatrie inhaftierte, scheinbar verrückte, aber möglicherweise übergelaufene verdeckte Ermittler, bei dem der Schlüssel zur Mafia liegen müsste.

Das Ganze wirkt leicht überschnappt, bigger than life, basiert aber auf einer „Spiegel“-Titelgeschichte von Jürgen Dahlkamp, der über die bedrohlichen Entwicklungen in unserem Nachbarland Niederlande im Zusammenhang mit einer verfehlten Drogenpolitik geschrieben hat. Stichwort: „War on drugs“.

Folterungen, Attentate, Explosionen, jugendliche Auftragskiller, die Ermordung von Starjournalisten und Rechtsanwälten, eine horrende Missachtung des Staates im Zusammenhang mit illegalen Drogengeschäften – man kann es kaum kleiner haben. Immerhin ein plausibler Hintergrund für 180 klassisch erzählte, spannende „Tatort“-Minuten, routiniert inszeniert von „Tatort“-Neuling Hans Steinbichler.

Die Auflösung des Falles ist großes Kino. Man darf allerdings gespannt sein, wie Falke, der harte Hund mit weichem Kern und „Rolling-Stones“-Klingelton auf dem Handy, mit der Denkmusik seines neuen nerdigen Kollegen klar kommt. Bauch und Kopf gehen selten gut.

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Filme und Serien im Weihnachtsprogramm: Und das soll Miss Sophie sein?

Fri, 19 Dec 2025 10:05:21 +0100

Filme und Serien im Weihnachtsprogramm: Und das soll Miss Sophie sein?

Ein Prequel zu „Dinner for One“, Chaos-Weihnachten in Berlin, Super Mario Bros. oder auch Neues zu Karen Blixen – was sich Weihnachten wirklich zu gucken lohnt.

Von Ticket Redaktion

Stand: 20.12.2025, 15:20 Uhr

„Kevin – Allein zu Haus“, „Der kleine Lord“. „Single Bells“ von 1998 – bei Durchsicht des TV-Programms der kommenden Tage stellt sich ein Déjà-vu ein. Jedes Jahr die gleiche Weihnachts-Leier. Hier ein paar Empfehlungen von neuen Serien und Filmen in TV und Streaming. Viel Weihnachtliches, aber nicht nur.

1 Miss Sophie – Same Procedure as Every Year (Prime Video, ab 22.12.)

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„The same procedure as every year, James!“ – der Sketch „Dinner for One“ gehört für Millionen Menschen fest zum jährlichen Silvesterritual im Fernsehen. Höchste Zeit, sich zu fragen, wer die Herren Mr. Pommeroy, Mr. Winterbottom, Sir Toby und Admiral von Schneider eigentlich sind und warum sie nicht mit am Tisch sitzen.

Das dachte sich zumindest Prime Video und schickt diese sechsteilige Miniserie als Sophie-Prequel ins Rennen. Aufgeladen mit der Frage: Was für ein Verhältnis pflegen Miss Sophie und ihr Butler James eigentlich zueinander?

Wir reisen zurück ins England, 1911, ein Landsitz in der Nähe von London. Finanziell arg in Notlage beschließt die junge Miss Sophie (Alicia von Rittberg) zu heiraten und lädt fünf finanzkräftige Heiratskandidaten auf ihr Schloss ein. Bevor sie ihre Wahl treffen kann, wird einer der Herren ermordet.

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Miss Sophie fordert die Junggesellen zu Wettkämpfen um ihr Herz heraus und versucht dabei, den Mörder zu finden. Immer an ihrer Seite: Butler James (Kostja Ullmann).

Erzählt wird das Ganze aus Sicht von Sophies Zofe. Stellt sich die Frage, ob die Welt dieses hochkarätig besetzte Prequel (von Rittberg, Ullmann, Moritz Bleibtreu, Frederick Lau, Ulrich Noethen, Wotan Wilke Möhring) um einen Silvester-TV-Hpye wirklich gebraucht hat.

Es ist kein deutsches „Downton Abbey“, zudem der 1963 vom NDR produzierte „Dinner-for-One“-Sketch sowieso mehr in Deutschland zieht als woanders (selbst bei den Briten nicht) und das Drehbuch (Tommy Wosch, Dominik Moser) den Kalauer nicht scheut.

Immerhin lassen sie das mit dem Teppich-Gestolpere weitestgehend weg. Und wer wissen will, wie gut sich die Potsdamer Schlösserwelt (als Drehkulisse) auch im Fernsehen macht, ist hier ohnehin richtig. (Markus Ehrenberg)

2 Eine fast perfekte Bescherung (ZDF Mediathek)

Bodo Hartmann (Steve Windolf) und Liz Schott (Christine Eixenberger) erleben ein Weihnachtsfest voller Überraschungen.

Die Grundkonstellation ist nicht ganz unbekannt: Ein zusammengewürfelter Haufen Menschen, die sonst nichts verbindet, sitzt durch unglückliche Umstände zusammen fest. Eine Bombe aus dem Zweiten Weltkrieg muss entschärft werden, weshalb die Anwohnerinnen gezwungen sind, Heiligabend in einer Turnhalle zu verbringen.

Mit dabei: die Radiomoderatorin Liz (Christine Eixenberger), die Weihnachten alleine in Berlin verbringen wollte, sehr zum Leidwesen ihrer Familie. In der Turnhalle trifft sie auf den Architekten Bodo (Steve Windolf), der sofort schockverliebt ist.

Ein wohlgehütetes Geheimnis des Ehepaars Lin-Ha (Minh-Khai Phan-Thi) und Stefan (Marc Oliver Schulze) wird ausgerechnet an diesem Abend gelüftet und löst ein Familiendrama aus.

Einsamkeit im Alter, Rassismus, religiöse Differenzen

Nur die Rentnerin Brigitte (Ursela Monn), die den Abend sonst alleine verbracht hätte, fühlt sich eigentlich ganz wohl im Trubel.

Wie es sich für einen Weihnachtsfilm gehört, werden zahlreiche gesellschaftliche Themen auf den Tisch gebracht, dann etwas zu optimistisch abgefrühstückt und mit Kitsch überladen: Einsamkeit im Alter, Rassismus, religiöse Differenzen und tiefgreifende familiäre Konflikte sind schnell vergessen, wenn alle um den Baum versammelt sind.

Um sich inmitten des Weihnachtsstresses berieseln zu lassen, ist der Film jedoch hervorragend geeignet: eine herzerwärmende Geschichte, in der die Gemeinschaft im Mittelpunkt steht – samt echtem Christkind. (Emma Rotermund)

3 Der Super Mario Bros. Film (Sat1, 26.12. 20:15 Uhr)

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Es war eine riskante Wette, die Universal Pictures 2023 eingegangen ist: Man nehme zwei unerfahrene Regisseure (Aaron Horvath, Michael Jelenic) und vertraue ihnen 100 Millionen Dollar an, um ein 40 Jahre altes Videospiel auf die Kinoleinwand zu bringen. Umso mehr, als die erste Kinoversion 30 Jahre zuvor ein sagenhafter Flop war.

Doch Horvath, Jelenic und die Produktionsfirma Illumination („Minions“) haben geliefert: „Der Super Mario Bros. Film“ ist ein rummelbunter Animationsspaß, der die Abenteuer der Klempnerbrüder Mario und Luigi angemessen durchgeknallt auf Zelluloid bannt.

Die knollennasigen Installateure verschlägt es in eine halluzinogene Fantasiewelt, wo eine Prinzessin und ihre niedlichen Pilzkopf-Untertanen mit motorisierten Primaten gegen den Feuer speienden Riesenschildkröterich Bowser und seine Armeen kämpfen.

All das ergibt nicht viel Sinn, aber die atemberaubend rasanten, liebevoll choreografierten und mit 80er-Hits fetzig vertonten Actionsequenzen machen ebenso viel Spaß wie der mit Popkultur-Referenzen gesättigte Humor.

Und Universal hat die Wette natürlich gewonnen: Der Film hat weltweit über 1,3 Milliarden Dollar und damit fast das 13-fache seiner Kosten eingespielt. (Jörg Wunder)

4 The Dreamer – Becoming Karen Blixen (ab 19.12. auf arte.tv)

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„Ich hatte eine Farm in Afrika.“ 1985 verfolgte dieser von Meryl Streep mit gebrochener Stimme gesprochene Satz ein Millionenpublikum. Liebe, Scheitern, ein halbes Leben steckten in ihm. Sydney Pollacks Epos „Jenseits von Afrika“ basierte auf Episoden aus dem Leben der dänischen Schriftstellerin Karen Blixen und machte Meryl Streep zum Superstar.

Der oscarprämierte Film war eine wehmütige, nur in Ansätzen ambivalente Feier des Kolonialismus, der sogar den weltweiten Hype der sogenannten „Safari-Mode“ auslöste. Heute undenkbar.

Wer hofft, dass die Mini-Serie „The Dreamer – Becoming Karen Blixen“ auf Arte ein komplettes Porträt von Dänemarks größter Schriftstellerin zeichnen würde, wird belohnt und enttäuscht zugleich.

Ein Guilty Pleasure im Scandi-Style

Karen Blixen, krank und pleite, muss nach ihrem 20-jährigen Afrika-Abenteuer in eine Dachstube ihres großbürgerlichen Elternhauses ziehen. Sie könnte auf dem schönen Anwesen ein bescheidenes, von ihrem Bruder finanziertes Leben führen. Aber sie will mehr. Deshalb war sie schließlich auch nach Afrika aufgebrochen.

Sie beginnt zu schreiben, zunächst keine Erinnerungsbücher, sondern sinnliche, fantastische Erzählungen, etwas völlig Neues. Für sie ist das kein Hobby. Es geht um die Suche nach einem Lebenssinn und um finanzielle Unabhängigkeit.

Es ist spannend zu sehen, wie sich Blixen in den 1930er-Jahren gegen alle Widerstände durchbeißt, zwischen bewundernswerter Zielstrebigkeit, Arroganz und Rücksichtslosigkeit schillernd. Das erzählt auch viel über die Karen in Afrika und unsere Bewertung von ehrgeizigen Frauen, noch heute.

Der große visuelle Reiz der aufwendigen und toll gespielten Serie ist auch ihr Problem. Karen (Connie Nielsen, „Gladiator“) wird ausschließlich in ihrer angenehm anzuschauenden, bürgerlichen Bubble gezeigt. Wirtschaftskrise, Krieg, die sich wandelnden Rollen der Frau kommen nur am Rande vor.

So ist „The Dreamer“ eher ein Guilty Pleasure im Scandi-Style, das hoffentlich, trotz allem, Lust macht, hinterher eines von Karen Blixens Büchern in die Hand zu nehmen. (Ingolf Patz)

5 Prange – Man ist ja Nachbar (ARD Mediathek)

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Prange ist der Beste. Er nimmt für alle Nachbarn Pakete an, zerkleinert das Styropor, damit die Mülltonne wieder zugeht, und wenn er in den Baumarkt fährt, gibt ihm das halbe Haus Bestellungen mit.

Danken tut’s ihm keiner. Das liegt auch daran, dass Ralf Prange (großartig: Bjarne Mädel) sein goldenes Herz ziemlich sorgfältig eingetuppert hat. Er pampt beim kleinsten Anlass jeden an, der was falsch macht.

Nach dem Tod seiner Mutter hat er sich in der Erdgeschosswohnung eines Hamburger Klinkerbaus im Alltagsgrau eingerichtet. Bis es eines Tages klingelt und eine neue Paketzustellerin vor der Tür steht: Dörte (Katharina Marie Schubert). Prange ist schockverliebt.

Ein erstes Date mit 55, wie macht man das bloß?

Und hat ein Problem: Wie macht man das, ein erstes Date, mit Mitte 50? Noch dazu wirft sein fieser Nachbar (Olli Dittrich) ebenfalls ein Auge auf Dörte.

Man kann manchmal kaum mit ansehen, wie sehr der schrullige Prange sich beim Werben um die Angebetete im Weg steht – er fegt die Colaflasche vom Tisch, stolpert im Kino, redet dummes Zeug.

Immerhin hat er zwei edle Knappen an seiner Seite: den kleinen Malik aus dem zweiten Stock, um den sich sonst keiner kümmert, und Micki, Paketbote eines konkurrierenden Unternehmens. Die verbringen beide viel Zeit in Pranges Wohnzimmer, trinken seine Brause weg, und liefern Datingtipps, auch wenn sie bei diesem Thema selbst nicht besonders gut informiert sind.

Ein wunderbar unkitschiger Weihnachtsfilm, auch wenn das Happy End natürlich absehbar ist: Diese lakonisch erzählte Saga über Einsamkeit, Nachbarschaft und Solidarität in einem stinknormalen Mietshaus macht echt alles richtig. Wie schön, dass man selbst als grummliger Grantler in Cord-Hausschuhen sein Glück finden kann. (Antje Scherer)

6 Weihnachten zu Hause (Netflix)

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Die Fans konnten ihr Glück kaum fassen, als etwas überraschend eine dritte Staffel von „Weihnachten zu Hause“ angekündigt wurde. Die charmante norwegische Serie um Single Johanne feierte 2019 und 2020 überraschende Erfolge. Fünf Jahre später geht es also weiter.

In Staffel Eins hatte Krankenschwester Johanne (Ida Elise Broch) der drängelnden Familie am 1. Dezember voreilig versprochen, zu Weihnachten ihren Freund vorzustellen – den es gar nicht gab. Also musste einer her, sie stürzte sich ins Dating. Ihre witzige, turbulente und anrührende Suche setzt sich in der zweiten Staffel fort.

In der neuen achtteiligen Staffel erfahren wir, dass sich Johanne, inzwischen 36 Jahre alt, von Jonas (der in der vorherigen Staffel auftauchte) getrennt hat. Mehrere Jahre waren sie ein Paar. Eigentlich will sie mit Männern nichts mehr zu tun haben. Es kommt, wie es kommen muss. Johanne begegnet ihnen überall.

Zugegeben, der Plot klingt nach allseits bekannter Rom-Com-Story. Doch diese hier ist weniger kitschig als vergleichbare US-Serien oder –Filme. „Weihnachten zu Hause“ hat norwegischen Charme (gedreht im verschneiten Røros), die Figuren sind uns näher. Das lässt uns neben allem Witz, auch die Trauer und Enttäuschung von Johanne spüren. Und tatsächlich bietet „Weihnachten zu Hause“ auch die eine oder andere überraschende Wendung.

Für manche spielt „Hjem til jul“, so der Originaltitel, gar in einer Liga mit dem Weihnachtsklassiker „Tatsächlich Liebe“. (Frank Weiss)

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„Sorry Baby“ im Kino: Ein trockener Witz, der weh tut

Thu, 18 Dec 2025 18:23:27 +0100

„Sorry Baby“ im Kino: Ein trockener Witz, der weh tut

„Sorry Baby“, das zarte, unglaublich komische Regiedebüt von Eva Victor, handelt von sexualisierter Gewalt und deren Folgen. Nur eines will der Film nicht sein: eine Opfergeschichte.

Von Andreas Busche

Stand: 20.12.2025, 15:16 Uhr

Ein verschmitztes Grinsen, dazu ein ernster Blick, der dem folgenden Satz tonnenschweres Gewicht verleiht. „Bitte, stirb nicht!“ Agnes lässt sich von ihrer besten Freundin Lydie nicht aus der Fassung bringen. „Keine Sorge“, antwortet sie lachend, „wenn ich mich umbringen wollen würde, hätte ich es letztes Jahr getan. Oder vorletztes Jahr. Oder, oh Gott, ganz sicher im Jahr davor.“

Aber es hilft ja nichts, das Leben muss weitergehen, so lautet die unausgesprochene Quintessenz von Eva Victors bemerkenswertem Regiedebüt „Sorry, Baby“ – selbst wenn die von der Regisseur:in selbst gespielte Protagonistin in einem Zustand des emotionalen Stillstands verharrt.

Lydie (Naomi Ackie) dagegen ist längst weitergezogen, sie lebt mit ihrer neuen Partnerin in New York und ist schwanger. Aber der Besuch bei ihrer Freundin weckt Erinnerungen. Auch Agnes hat Karriere gemacht. Sie ist die jüngste Professorin an einer Kleinstadt-Universität an der amerikanischen Ostküste, wohnt aber immer noch in demselben Haus, das sie sich als Studentin mit Lydie geteilt hat.

Etwas Schreckliches ist ihr widerfahren, und „Sorry, Baby“ nimmt sich viel Zeit, für das taube Gefühl des Schmerzes die richtigen Worte und Bilder zu finden. Manchmal reicht auch nur eine harmlose Frage. „Gehst du manchmal auch aus dem Haus?“, will Lydie von Agnes wissen, und in ihren Worten schwingt mehr als nur eine dunkle Ahnung mit. Die Zeit heilt nicht alle Wunden.

Der sexuelle Übergriff ist nicht zu sehen, nur die Folgen

Was genau Jahre zuvor passiert ist, lässt „Sorry, Baby“ diskret aus. An jenem Nachmittag sucht Agnes ihren allseits beliebten Literaturprofessor (Louis Cancelmi) für eine Beratung in seinem Haus auf: Die Kamera verharrt auf der Fassade, während der Tag in Zeitraffer verstreicht. In den späten Abendstunden kommt Agnes wieder aus dem Haus, ihr selbstsicherer Gang ist nun deutlich zögerlicher, wie auf Autopilot fährt sie zurück nach Hause.

Lydie spürt sofort, dass mit Agnes etwas nicht stimmt. Es dauert dann etwas, bis sie mit der fürsorglichen Hilfe ihrer Freundin artikulieren kann, was ihr im Haus ihres Professors und Mentors zugestoßen ist. Die Gewalterfahrung wirkt durch das, was nicht gezeigt wird, umso schockierender. Und manchmal tröstet die Umarmung der besten Freundin mehr als tausend hilflose Worte.

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„Sorry, Baby“ umkreist diesen Moment mit fünf nicht-chronologisch geordneten Kapiteln; der sexuelle Übergriff ist ein so großer Einschnitt im Leben der jungen Frau, dass die zeitliche Erfahrung aus den Angeln gehoben ist. Es geht nur darum, einen Weg zurück ins Leben, in die vermeintliche Normalität zu finden. Die nicht-binäre Person Eva Victor schafft einen Raum, in dem all die widerstrebenden Gefühle, die Agnes hemmen, von denen sie sich ihr künftiges Leben aber auch nicht bestimmen lassen will, gleichrangig Beachtung finden.

Dazu gehört zum Beispiel Humor, wie das Kapitel aus der Zeit vor dem „Vorfall“, überschrieben mit dem lakonischen Titel „The Year with the Bad Thing“, deutlich macht. Agnes ist nie um einen bissigen Kommentar verlegen, eine Qualität, die sie sich weiterhin bewahrt hat – auch wenn ihr trockener Witz mitunter schmerzhaft ist. Man fühlt sich immer wieder an Michaela Coels Serie „I May Destroy You“ erinnert, die ebenso ungeschminkt die widersprüchlichen Gefühle und Alltagserfahrungen der Protagonistin nach einem sexuellen Übergriff verhandelt.

Agnes’ Humor richtet sich vor allem gegen die Menschen in ihrem Umfeld, denen es immer wieder gelingt, den falschen Ton zu treffen (wie die Hochschulleitung, die auf ihre Anschuldigungen nur mit „Wir verstehen sie, wir sind auch Frauen“ reagiert). Oder die, die ihr Leben erfolgreich einfach weitergelebt haben, ohne sich dieses Privilegs bewusst zu sein; wie eine ehemalige Kommilitonin (Kelly McCormack), die freiwillig mit dem Prof Sex gehabt hat, und Agnes ihre Professur neidet.

Agnes (Eva Victor) kann sich auf ihre beste Freundin Lydie (Naomi Ackie) verlassen.

Humor ist in „Sorry, Baby“ eine gute Überlebensstrategie. Aber es hilft auch, eine Freundin wie Lydie zu haben, die Naomi Ackie mit dem Herzen einer großen Schwester spielt: mit der man lachen und weinen kann.

Und so zeigt Eva Victor keine allgemeingültige Exit-Strategie aus dem Trauma. Agnes versucht dieses und jenes, auch etwas unbedarften Sex mit dem süßen, aber schüchternen Nachbarn (Lucas Hedges). Ein freundlicher Ladenbesitzer (John Carroll Lynch) schenkt ihr nach einer Panikattacke ein Sandwich. Es sind die kleinen Gesten, die in „Sorry, Baby“ den größten Trost spenden.

Victor verarbeitet im Drehbuch eigene Erfahrungen, vielleicht klingen die lapidaren Dialoge auch deswegen so natürlich und peinigend direkt. Es geht nicht darum, eine Opfergeschichte zu erzählen, sondern einen Menschen sichtbar zu machen, der sich aus eigener Kraft – und mit der Hilfe von Freunden – wieder ins Leben zurückkämpft.

In ihrer Klasse bespricht Agnes, die jetzt wieder etwas gefestigter wirkt, Nabokovs „Lolita“, und als ein Studierender den Roman als „ekelhaft“ bezeichnet, entgegnet sie leicht amüsiert: „Es gibt eine Welt, in der es eine Erleichterung ist, das zu hören.“ Agnes ist gerade erst wieder dabei, diese Welt zu entdecken.

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Roncalli Weihnachtscircus : Daran kann sich die Politik ein Beispiel nehmen

Sat, 20 Dec 2025 13:36:08 +0100

Roncalli Weihnachtscircus : Daran kann sich die Politik ein Beispiel nehmen

Clowns hat die Gegenwart schon genug im Angebot. Der Roncalli Weihnachtscircus setzt auf den Zauber der Fantasie und das Versprechen einer multikulturellen Gemeinschaft. Zum Glück mit Netz und doppeltem Boden.

Von Patrick Wildermann

Stand: 20.12.2025, 13:36 Uhr

Momentan herrscht ja kein Mangel an Appellen, die staatstragend die Dringlichkeit von irgendwas beschwören sollen. Zum Beispiel: Nie war der Einsatz für die Demokratie wichtiger als heute. Oder: Nie war Europa wichtiger als heute. Aber selten hört man irgendwo: Nie war der Zirkus wichtiger als heute. Warum eigentlich nicht? Es gäbe gute Argumente.

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Millionen-Deal mit Snoopy, Charlie Brown und Co.: Sony übernimmt Mehrheit an den „Peanuts“

Sat, 20 Dec 2025 11:12:11 +0100

Millionen-Deal mit Snoopy, Charlie Brown und Co.: Sony übernimmt Mehrheit an den „Peanuts“

Die Comicfiguren von Charles M. Schulz sind auch nach Jahrzehnten ein lukratives Geschäft. Sony zahlt nun viel Geld, um sich die Kontrolle über die Marke zu sichern.

Stand: 20.12.2025, 11:12 Uhr

Snoopy bekommt mit 75 Jahren einen neuen Besitzer: Der japanische Sony-Konzern übernimmt die Mehrheit am Unternehmen hinter den bekannten „Peanuts“-Figuren.

Sony hielt bereits rund 39 Prozent an der Peanuts Holding. Jetzt kaufen die Japaner für 630 Millionen kanadische Dollar (390 Millionen Euro) weitere 41 Prozent dazu.

Verkäufer ist die kanadische Firma WildBrain, bei der inzwischen unter anderem die Teletubbies zu Hause sind. Das restliche Fünftel bleibt bei der Familie des im Jahr 2000 verstorbenen „Peanuts“-Schöpfers Charles M. Schulz.

Snoopy, Charlie Brown und Co. sind auch 75 Jahre nach der Veröffentlichung des ersten „Peanuts“-Comics ein gutes Geschäft. Es gibt nicht nur weiterhin TV-Serien, sondern auch unzählige Fan-Artikel mit den Figuren.

In Arbeit ist auch ein neuer „Peanuts“-Film, der bei Apple TV+ erscheinen soll. Sony mit seinem Hollywood-Studio und dem Playstation-Spielegeschäft hat noch größere Möglichkeiten, mit den Markenrechten Geld zu verdienen. (dpa)

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Sony

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Machen Sie den Test: Welcher Weihnachtsfilm passt zu mir und meinen Liebsten?

Sat, 20 Dec 2025 10:35:13 +0100

Machen Sie den Test: Welcher Weihnachtsfilm passt zu mir und meinen Liebsten?

Ein Film, der sowohl dem grummeligen Opa als auch den Enkelkindern gefällt? Oder den schwer zu beeindruckenden Teenies ? Und den nicht alle schon 100-mal gesehen haben? Hier werden Sie fündig!

Von Inga Barthels

Stand: 20.12.2025, 10:34 Uhr

Den richtigen Weihnachtsfilm auszuwählen, ist gar nicht so einfach. Der Geschmack der Menschen, die zum festlichen Filmeschauen zusammenkommen, kann stark variieren: Manche wollen Liebe, andere Action, und einige hassen generell alle Weihnachtsfilme.

Die meisten Streifen im Weihnachtsprogramm hat man außerdem schon zigmal gesehen – Zeit für etwas Neues!

Mit diesem Test finden Sie in sechs Fragen zum passenden Film für jede Konstellation, jenseits der absoluten Klassiker.

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„Jeder Angriff sitzt!“: Claudia Bossard bringt Schillers „Die Räuber“ nach Berlin

Wed, 17 Dec 2025 10:50:11 +0100

„Jeder Angriff sitzt!“: Claudia Bossard bringt Schillers „Die Räuber“ nach Berlin

Die Regisseurin Claudia Bossard liest Friedrich Schillers Drama als zeithistorisches Dokument. Über ihre Inszenierung von „Die Räuber“ am Deutschen Theater.

Von Simone Kaempf

Stand: 20.12.2025, 09:00 Uhr

In schönster helvetischer Sprachmelodie sagt Claudia Bossard: „Ich komme aus der Schweiz, das hört man natürlich.“ Friedrich Schillers Befreiungs-Drama „Wilhelm Tell“ kennt dort natürlich jedes Kind.

Aufgrund ihres anderen kulturellen Backgrounds wurde sie in der Vorbereitung zu „Die Räuber“ noch einmal ganz neu von Schiller ergriffen, auch von der damit eng verbundenen Zeitgeschichte.

„Wie Deutschland vor zweihundert Jahren ein Flickenteppich war und dann versucht wurde, Gerechtigkeit herzustellen und sich aus der Leibeigenschaft zu befreien, kann man sich ja kaum vorstellen. Die Schweiz ist ja ganz anders entstanden. Und wie dann der späte Schiller sowie Lessing und Goethe programmatisch an einer Sprache und Kultur gearbeitet haben, um eine Nation zu bilden, das finde ich absolut besonders.“

Die 40-Jährige hat vor ihrer Regie-Laufbahn Literaturwissenschaft in Bern studiert. Auch darauf kommt man schnell im Gespräch mit ihr. „Ich diskutiere schon gerne zwei Stunden über einen einzelnen Satz“, erzählt sie.

Angefangen hat sie mit den Stücken von Jelinek

Bei den „Räubern“ sei das herausfordernd, weil inhaltlich sehr viel angesprochen werde. Das gründliche Lesen der Texte ist in ihren Inszenierungen stets spürbar.

Damit hat sie sich einen Namen gemacht und den Maßstab von Beginn an hoch gesetzt. Denn angefangen hat sie mit den auswuchernden Stücken von Elfriede Jelinek, durch die sie zum Theater gefunden hat.

Dazu kamen Gegenwartsstücke, Romane, Klassiker, insgesamt sehr unterschiedliche Texte. „Ich denke, die Kraft der Sprache vereint alle. Aber natürlich brauche ich inhaltliche Anknüpfungspunkte“, sagt sie.

Bossard lebt seit drei Jahren in Berlin. Zuvor lagen ihre Arbeits- und Lebensmittelpunkte in Wien und Graz. An den großen Häusern in Zürich, Bochum und München hat sie jüngst inszeniert.

Mit der neuen Intendantin des Deutschen Theater ist sie nach Berlin gewechselt. Am DT zeigte sie vor Jahren mit Rainald Goetz’ „Baracke“ ihre andere Stärke: ideenreich und überraschend zu inszenieren, verblüffende Bilder zu finden.

Der Zusammenhang zwischen bürgerlichem Familienleben und dem rechten NSU-Terror wurde in ihrer Inszenierung deutlicher als im Text.

Um den Zerfall und die Schaffung von Ordnung geht es auch in „Die Räuber“.

„Der Aufbruch in etwas Neues, was verhindert wird durch die Rückkehr in engere Denk-Korsette“ ist ein Kerngedanke für sie.

„Wir reden auf den Proben aber auch gerade ganz viel darüber, wer die Räuber heute sind. Ein Robin-Hood-Gedanke steckt ja auch drin. Und was ist denn die Revolution heute in diesem Land im Vergleich zu damals?“

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Mit drei Schauspielern und einer Schauspielerin inszeniert Bossard den Abend. Als zeithistorisches Dokument betrachtet sie das Stück. Und um den Umgang mit Kultur und Hochkultur soll es auch gehen.

„Es lohnt sich, sich klarzumachen, wie mutig der junge Friedrich Schiller war, so einen Kultur- und Systemangriff zu formulieren. Da ist nichts zufällig. Jeder Angriff und jede Kritik sitzt. Warum zum Beispiel überfällt die Räuberbande ein Kloster? Theoretisch liegt darin auch eine massive Kirchenkritik.“

Die Regisseurin hat sich auch damit beschäftigt, dass Schiller Anthropologe und angehender Arzt war. Seine Doktorarbeit hatte er über den Unterschied zwischen Tier und Mensch geschrieben.

„Es ist genau jenes Spektrum, was ihn interessiert: ob es möglich sei, den Menschen zu erziehen, ihm ein Koordinatensystem zu bauen, in dem er lernt, seine Triebe und Wünsche, seine Wut und Aggressionen, aber auch seine Sehnsüchte zu kontrollieren und zu steuern.“

All das sind Fragen, in die sich Claudia Bossard derzeit hineinbohrt und die „Die Räuber“ neu elektrisieren und schillern lassen.

Für die ausverkaufte Premiere am Freitag gibt es etwaig Restkarten an der Abendkasse, für die Vorstellungen am 26. und 29.12. Tickets.

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Umbenennung des Kennedy Centers: Trump trollt die amerikanische Öffentlichkeit

Fri, 19 Dec 2025 16:06:35 +0100

Umbenennung des Kennedy Centers: Trump trollt die amerikanische Öffentlichkeit

Der Kulturkampf gegen das liberale Establishment in den USA geht weiter. Aber die Umbenennung des nationalen Kulturzentrums in Trump-Kennedy Center ist bloß ein Ablenkungsmanöver.

Ein Kommentar von Andreas Busche

Stand: 19.12.2025, 16:06 Uhr

Daran, dass Donald Trump seinen Namen gerne auf Gebäuden liest – wie auch auf Steaks, Kryptowährungen und Bibeln –, hat man sich inzwischen gewöhnt. Diese Meldungen fallen angesichts der Dichte von Ankündigungen auf der präsidialen Plattform Truth Social inzwischen in die Kategorie „Soft News“, auch wenn sich die Folgen – etwa für das Privatvermögen von Donald J. Trump – als durchaus nachhaltig erweisen können.

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Eine ganz und gar tragische Notlage: Raphaël Pichon dirigiert Bachs h-Moll-Messe

Fri, 19 Dec 2025 12:57:55 +0100

Eine ganz und gar tragische Notlage: Raphaël Pichon dirigiert Bachs h-Moll-Messe

Debüt bei den Berliner Philharmonikern: Raphaël Pichon, gefeierter Alte-Musik-Star aus Paris, leitet Bachs Gipfelwerk, es singt der Rias Kammerchor.

Von Ulrich Amling

Stand: 19.12.2025, 14:48 Uhr

Mit einem Schrei, dem Ausdruck einer „ganz und gar tragischen Notlage“, beginnt Bachs Messe h-Moll in den Ohren von Raphaël Pichon. Der 41-jährige Dirigent aus Paris eilt gerade von Triumph zu Triumph, mit seinem Ensemble Pygmalion gehört er zu den eindrücklichsten Stimmen der Alten Musik. Seine Suche nach Ausdruck macht an Epochengrenzen aber nicht halt, wie seine aktuelle Einspielung von Brahms‘ Deutschem Requiem unterstreicht. Die Sehnsucht nach Trost ist allgegenwärtig. Pichon entdeckt ihn in einem gleichberechtigten Zusammenspiel von Stimmen und Instrumenten, dem Mut zu Freiräumen und einer Absage an bloße Größe. „Der Klang muss wie das Leben sein – und das Leben ist extrem“, lautet sein Credo.

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DiCaprio, Kendrick Lamar... und K-Pop: Barack Obama verrät zum Jahresende seine Lieblingsfilme, -songs und -bücher

Fri, 19 Dec 2025 14:37:01 +0100

DiCaprio, Kendrick Lamar... und K-Pop: Barack Obama verrät zum Jahresende seine Lieblingsfilme, -songs und -bücher

Alljährlich zum Jahresende teilt der ehemalige US-Präsident seine Empfehlungen für Bücher, Filme und Musik. 2025 hörte Obama offenbar gerne Rapmusik, aber auch Lady Gaga und Rosalía.

Stand: 19.12.2025, 14:37 Uhr

Barack Obama hat seine Lieblingsbücher, -filme und -musik des Jahres veröffentlicht. „2025 neigt sich dem Ende zu und ich führe eine Tradition weiter, die ich während meiner Zeit im Weißen Haus begonnen habe: die jährlichen Listen meiner Lieblingsbücher, -filme und -musik zu teilen“, schrieb der ehemalige Präsident der USA.

Er hoffe, dass seine Follower darunter etwas Neues finden würden, und bat gleichzeitig selbst um Tipps: „Ich hoffe, Sie finden etwas Neues, das Ihnen gefällt – und bitte schicken Sie mir Ihre Empfehlungen, damit ich sie mir ansehen kann!“

Obama hörte 2025 Rosalía und K-Pop

Die Liste von Obamas Lieblingsmusik enthält Rap-Titel wie „just say dat“ von Gunna, „luther“ von Kendrick Lamar und SZA, „Nokia“ von Drake oder „No More Old Men“ von Chance the Rapper und Jamila Woods.

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Aber auch Pop-Lieder wie „Abracadabra“ von Lady Gaga, „The Giver“ von Chappell Roan oder „Sexo, Violencia y Llantas“ von Rosalía stehen darauf. Der ehemalige Präsident hat 2025 offenbar auch Songs wie „En Privado“ von Xavi und Manuel Turizo, „Faithless“ von Bruce Springsteen oder „Jump“ von der K-Pop-Gruppe Blackpink bevorzugt gehört.

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Obama empfiehlt DiCaprio-Film

Ganz oben auf der Liste der besten Filme aus dem Jahr 2025 steht für Obama (64) der neue Streifen von Paul Thomas Anderson „One Battle After Another“ mit Leonardo DiCaprio in der Hauptrolle. Außerdem empfiehlt der 44. US-Präsident unter anderem „It Was Just An Accident“ vom iranischen Filmemacher Jafar Panahi und die beiden Dramen „Hamnet“ und „Sentimental Value“.

Obamas Lieblingsbücher aus 2025

Das Top Buch 2025 war für Obama „Paper Girl“, die Memoiren der amerikanischen Journalistin Beth Macy. Darin kehrt Macy in ihre Heimatstadt in Ohio zurück und untersucht die politische Spaltung dort.

Obama gefiel darüber hinaus „There Is No Place For Us“ von Brian Goldstone über obdachlose Berufstätige in den USA und die Essay-Sammlung „Dead and Alive“ von Zadie Smith. Natürlich nennt er auch das neue Buch seiner Ehefrau Michelle und schreibt dazu: „Ich bin natürlich parteiisch.“ (dpa, mira)

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Chaos im Café: Der Mikrokosmos der Künstlerin Kerstin Brätsch

Fri, 19 Dec 2025 14:28:01 +0100

Chaos im Café: Der Mikrokosmos der Künstlerin Kerstin Brätsch

Der dritte Berliner Tiemann-Preis geht an das Museum Marta Herford. Es hat dafür Bilder von Kerstin Brätsch angekauft und sie an einen ungewöhnlichen Ort gehängt.

Von Christiane Meixner

Stand: 19.12.2025, 14:28 Uhr

Es ist ein Wünsch-dir-was für Museen, bezahlt vom Berliner Ehepaar Ingeborg und H. Jürgen Tiemann. Zur Verfügung stehen 50.000 Euro, Bedingung ist ein zeitgenössisches Werk der Malerei, das die bestehende Sammlung einer Institution sinnvoll ergänzt.

2023, zur Premiere des Tiemann-Preises, kaufte das Museum Folkwang in Essen mit dem Geld vier Gemälde des in Berlin lebenden Malers Armin Boehm an. Vergangenes Jahr überzeugte das Kunstmuseum Magdeburg die Jury mit seinem Wunsch nach einem Werk von Özlem Altin, die ebenfalls in der Hauptstadt lebt.

Dieses Mal fiel der Blick auf Kerstin Brätsch, die 2007 ein ungewöhnliches Projekt startete: Zusammen mit Adele Röder gründete sie „Das Institut“ als kreativen Ort, an dem Mode, Bühnenkulissen und Designobjekte in die bildende Kunst einflossen.

Ein Kurzschluss zwischen den Disziplinen, der das Werk von Brätsch bis heute prägt. Immer noch verknüpft sie unterschiedlichste Techniken miteinander – kein Wunder also, wenn sich mit dem Marta Herford ein Haus für Kunst, Design und Architektur für ihre Arbeiten interessiert.

Die Künstlerin Kerstin Brätsch in ihrem Atelier.

Zwei Stucco-Marmor-Bilder sind nun in seinem Besitz, objekthaft und mit Oberflächen, die an Versteinerungen oder geschliffene Edelsteine erinnern. Als hätte Kerstin Brätsch ihre eigenen, vielfarbigen Pinselschwünge in ein Puzzle zerlegt und nicht akkurat wieder zusammengefügt. Bloß dass es ihr nie um die schnelle, malerische Geste geht. Alles in ihren Bildern ist durchdacht und sorgsam arrangiert.

Die beiden mithilfe des Tiemann-Preises erworbenen Werke heißen „Fossil Psychic for Christa“ und gehören zu einer Serie von 2020. Brätsch verwendete Gips, Pigmente, Leim, Wachs, Öl und Filz. Solche Mixturen sind typisch für die 1979 geborene Künstlerin, die zwischen Berlin und New York pendelt und gerade eine große Soloschau im Bonner Kunstmuseum eröffnet hat.

Das sind eine Menge Argumente für einen Ankauf, zumal die Sammlung des Marta Herford noch immer von männlichen Künstlern des 20. Jahrhunderts dominiert wird.

Eine Besonderheit stellt allerdings die Entscheidung dar, Brätschs Bilder ins Museumscafé zu hängen, das allen zugänglich ist, selbst ohne Eintrittsticket. Mit dem Entschluss folgt das Haus zum einen Brätsch, die die Kategorien von high and low immer wieder infrage stellt.

Preisstifter H. Jürgen Tiemann, Museumsdirektorin Kathleen Rahn, die Künstlerin Kerstin Brätsch und Ingeborg Tiemann.

Es erfüllt aber auch eine Bedingung der Tiemanns auf kluge Art. Das Ehepaar, das 2018 eine Stiftung für Bildung, Kunst, Denkmapflege sowie Naturschutz gegründet hat, wünscht sich eine dauerhafte Präsenz für die mit seiner Hilfe erworbenen Werke. Was im Café nicht einfach ist: Museumsarchitekt Frank Gehry hat, ähnlich wie in Bilbao, geschwungene Wände konzipiert, die es der Kunst nicht leicht machen.

Brätsch arbeitet dagegen, aus dem Bilderduo ist eine ganze Installation geworden – mit Fototapete, den „Fossilien“ und mehreren kleinformatigen Bildern, die das Marta Herford ebenfalls angekauft hat. Alles greift ineinander, die Motive wiederholen und spiegeln sich, Mikrostrukturen werden zu Makromustern und verwandeln die Wand in einen Kosmos aus Farbe, Fläche, plastischen Elementen und Motiven, die wie durch ein Mikroskop unendlich vergrößert scheinen.

Eine Idee, die sich zur autonomen Ausstellung entwickelt hat. Wer mehr von Kerstin Brätsch sehen möchte, muss sich bis Herbst 2026 gedulden. Parallel zum Tiemann-Preis, den das Marta Herford für sich entscheiden konnte, wurde Kerstin Brätsch vor wenigen Wochen der Marta-Preis zugesprochen, den die Wemhöner Stiftung vergibt.

Er verbindet sich mit der Realisierung einer neuen Arbeit für die Sammlung sowie einer Einzelausstellung. Dann finden in Herford Brätsch-Festspiele statt.

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Kunst in Berlin

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Drum singe, wem Gesang gegeben: Ein Jewsical am Maxim Gorki Theater

Fri, 19 Dec 2025 12:24:36 +0100

Drum singe, wem Gesang gegeben: Ein Jewsical am Maxim Gorki Theater

Dieses „German Jewsical“ ist eine echte „East Side Story“: Die Ost-Berliner Künstlerdynastien Langhoff und Brasch entsenden zwei ihrer jüngsten Vertreter zu einem wilden Ritt durch eine exemplarische jüdische Familiengeschichte.

Von Christine Wahl

Stand: 19.12.2025, 12:24 Uhr

„Warum sprechen, wenn man auch singen kann?“, schmettert Lindy Larsson gleich zu Beginn des Abends im besten Showmaster-Style über die Rampe des Berliner Maxim Gorki Theaters – und setzt damit das Motto für die folgenden 135 Minuten. Ein schmissiges Musical ist es nämlich, das der Autor Juri Sternburg hier unter dem Titel „East Side Story – A German Jewsical“ erdacht und das die Regisseurin Lena Brasch entsprechend inszeniert hat.

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War stellvertretender Chefredakteur der „Welt“: Robin Alexander verlässt Redaktion – und konzentriert sich auf Podcast

Thu, 18 Dec 2025 18:07:51 +0100

Stellvertretender Chefredakteur: Robin Alexander verlässt „Welt“-Redaktion

Robin Alexander und Dagmar Rosenfeld führen den Podcast „Machtwechsel“ ab 2026 eigenständig weiter. Was das für ihre Rollen bei „Welt“ und „The Pioneer“ bedeutet.

Stand: heute, 18:07 Uhr

Robin Alexander, stellvertretender Chefredakteur der „Welt“, verlässt die Redaktion. Gemeinsam mit Dagmar Rosenfeld, bisher Co-Herausgeberin von „The Pioneer“, wird er den Politik-Podcast „Machtwechsel“ ab Januar 2026 als eigenständiges Format fortführen, wie aus Pressemitteilungen von Axel Springer und Media Pioneer hervorgeht.

Das seit der Bundestagswahl 2021 erscheinende Format zählt zu den reichweitenstärksten Politik-Podcasts Deutschlands und wurde zuletzt bei „Welt“ und bei „The Pioneer“ veröffentlicht, bevor es nun in unabhängiger Verantwortung weiterlaufen soll.

Dagmar Rosenfeld legt der Mitteilung zufolge ihr Amt als Herausgeberin von „The Pioneer“ zum Jahresende nieder und startet gleichzeitig ein neues Podcast-Format, das am 11. Januar 2026 bei „The Pioneer“ beginnt. Außerdem wird sie Kolumnistin bei „The Pioneer“ und tritt auch auf Live-Veranstaltungen auf.

„Mit unserem Machtwechsel-Podcast möchten wir beweisen, dass ruhiger und hintergründiger Journalismus auch und gerade in diesen aufgeregten Zeiten vermarktbar ist – von unabhängigen Journalisten, die auch unternehmerisch für ihr Produkt stehen“, heißt es von Rosenfeld und Alexander in der Mitteilung.

„Axel Springer und Media Pioneer danken wir dafür, dass sie uns diesen Schritt ermöglichen und bleiben den Häusern als regelmäßige Kolumnisten erhalten.“

Für die „Welt am Sonntag“ soll Alexander eine wöchentliche Kolumne schreiben und Gast im „Welt“-TV-Studio sein. Rosenfeld soll für „The Pioneer“ eine wöchentliche Audio-Kolumne verfassen.

Claudius Senst, Vorstandsmitglied von Axel Springer, erklärt in der Mitteilung: „Unternehmertum und kreative Medienformate haben in unserem Haus höchste Priorität. Dagmar Rosenfeld und Robin Alexander stehen genau dafür.“ (dpa)

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Bundestagswahl

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Erziehung zur Gottlosigkeit: András Viskys Jahrhundertroman „Die Aussiedlung“

Fri, 19 Dec 2025 10:50:16 +0100

Erziehung zur Gottlosigkeit: András Viskys Jahrhundertroman „Die Aussiedlung“

Als Kind in den Lagern des rumänischen Sozialismus: Der Ungar András Visky hat über diese Erfahrung ein Werk geschaffen, das an die Seite der Bücher von Primo Levi und Imre Kertész gehört.

Von Gregor Dotzauer

Stand: 19.12.2025, 10:50 Uhr

Zwei Buchstaben, ein Stigma. Im Personalausweis der Mutter prangt der Stempel D.O., die Abkürzung für das rumänische domiciliu obligatoriu, zu Deutsch Zwangswohnsitz. Zusammen mit ihren sieben Kindern hat man Júlia, die aus Budapest stammende Ungarin, von der gemunkelt wird, sie sei auch eine Jüdin, aus Siebenbürgen in die Bărăgan-Steppe deportiert. Der Vater, ein evangelisch-reformierter Pastor, den die Securitate als Widerständler des kommunistischen Regimes verhört hat, ist da schon fern der Familie zu 22 Jahren Zwangsarbeit verurteilt worden.

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Leuchtend: Malerei von Murshida Arzu Alpana in der Galerie Subject/Object

Fri, 19 Dec 2025 09:27:03 +0100

Tagestipp

Leuchtend: Malerei von Murshida Arzu Alpana in der Galerie Subject/Object

Die Berliner Künstlerin Murshida Arzu Alpana balanciert in ihrer Ausstellung „Existence & Non-Existence“ zwischen Surrealismus und Neo-Expressionismus.

Von Christiane Meixner

Stand: 19.12.2025, 09:27 Uhr

Was auf den Bildern von Murshida Arzu Alpana in der Galerie Subject/Object geschieht, ist schwer zu beschreiben. Alles hier wirkt simultan, flächige und körperhafte Elemente verbinden sich zu vibrierenden Welten. Ein monumentaler Fuß badet seinen dicken Zeh in einer Pfütze, Häuser schweben, schemenhafte Köpfe oder Silhouetten bevölkern einen abstrakten Raum, und immer wieder tauchen Tiere in der Stadt auf. Wie in dem Gemälde „Hochflug“, das einen Vogel im Abendlicht auf einer geschwungenen Laterne zeigt – wobei letzteres mehr einem leuchtenden Farbschweif ähnelt.

Blick für die kleinen Dinge

Als Klebstoff ihrer Motive fungiert Alpanas schier grenzenlose Energie. Die Malerin und Bildhauerin ist ein Katalysator für Stimmungen, vielleicht auch Spannungen, die sie erspürt und interpretierend in ihrer Arbeit aufgreift. Nach einer künstlerischen Ausbildung in Bangladesch und einer weiteren an der nordostindischen Visva-Bharati Universität kam sie über ein DAAD-Stipendium in den 1990er-Jahren nach Berlin. Hier studierte sie noch einmal bei Karl Horst Hödicke, und all dieses Biografische findet sich in den Bildern: die Eindrücke unterschiedlicher Kulturen, ihr Blick auf Berlin und Alpanas große Sensibilität für die Präsenz der kleinen Dinge, in denen sich die Komplexität des Lebens spiegelt.

Von Hödicke beeinflusst

Nicht alles erklärt sich auf den ersten Blick, vieles wirkt ausschnitthaft und verlangt nach assoziativer Ergänzung. Im großen Porträt „Sie ist da“ (2025) beherrscht ein weiblicher Kopf das Zentrum, sein einziges Auge richtet den Blick auf etwas, das wir nicht sehen können. Der Körper löst sich in nervösen, leuchtend roten Strukturen auf, die an Nervenbahnen erinnern. Immer wieder bringt die Künstlerin Figuratives mit abstrakten Elementen zusammen, ohne Rücksicht auf stilistische Einheitlichkeit, dafür erkennbar von Hödickes post-expressivem Gestus beeinflusst, der in Berlin als Professor die Generation der sogenannten Neuen Wilden mit Rainer Fetting oder Salomé beeinflusst hat.

Alpana vertraut auf ihre individuelle Perspektive, versetzt ihre Gemälde in Schwingungen. Es ist ein Rhythmus aus kräftigen Farben und Gesten, dem man sich kaum entziehen kann. Die Dinge beginnen zu tanzen, selbst, wenn sie wie auf dem Bild „Mein Morgentee“ fest in der Wirklichkeit verankert sind. Murshida Arzu Alpana ist zwar nicht zu sehen. Doch man schaut gemeinsam mit ihr durch ein Fenster ihrer Wohnung auf das Haus gegenüber und versteht, weshalb sie ihre Ausstellung „Existence & Non-Existence“ nennt: Beides steht gleichwertig nebeneinander, und es spielt wirklich keine Rolle, was der Realität und was der Fantasie entspringt.

Titel:
Ort:: Galerie subject object, Grunewaldstr. 79, Schöneberg, bis 10.1., Di-Fr 12-18.30 Uhr, Sa 12-17 Uhr

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Tempelhof-Schöneberg

Proustbetrieb: Was ich noch zu sagen hätte, dauert eine Liebe von Swann

Thu, 18 Dec 2025 16:45:39 +0100

Proustbetrieb: Was ich noch zu sagen hätte, dauert eine Liebe von Swann

Über den erzählperspektivischen Bruch in „Unterwegs zu Swann“, dem ersten Band von Marcel Prousts „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“.

Eine Kolumne von Gerrit Bartels

Stand: 19.12.2025, 06:45 Uhr

Wer das erste Mal den ersten Band von Marcel Prousts „Recherche“ liest, den mutmaßlich berühmtesten, nicht zuletzt mehrmals verfilmten Teil über die Liebe von Charles Swann, dürfte zu Beginn des zweiten Teils des Bandes, in dem es um eben jene Beziehung von Swann zu Odette geht, etwas irritiert sein.

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Kollegah und sein „Kanzler“-Album: Deutschland über alles – und die AfD jubelt

Thu, 18 Dec 2025 13:49:51 +0100

Kollegah und sein „Kanzler“-Album: Deutschland über alles – und die AfD jubelt

Der Rapper Felix Blume alias Kollegah sorgt sich auf seinem neuen Album um Deutschland und will als Kanzler ohne Partei alles anders machen. Zum Beispiel „bis aufs Blut kämpfen“ und Palästina befreien.

Von Gerrit Bartels

Stand: heute, 13:49 Uhr

Der Rapper Kollegah hat unter seinem bürgerlichen Namen ein neues Album veröffentlicht, und die Rechten sind begeistert. Ganz besonders von dem „Deutschland“-Track, der sich darauf findet.

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Emily zurück in Paris: Die Amerikanerin, von der Europäer träumen

Thu, 18 Dec 2025 13:44:16 +0100

Emily zurück in Paris: Die Amerikanerin, von der Europäer träumen

Seit fünf Jahren wird die Netflix-Heldin leidenschaftlich gehasst und geliebt. In diesem Jahr dürfte die Abneigung allerdings deutlich abnehmen.

Von Claudia Reinhard

Stand: heute, 20:09 Uhr

In der Adventszeit hat der Eskapismus Hochsaison. Das wissen natürlich auch die Marketing-Profis bei Netflix und schicken ihre fiktive Branchenvertreterin mit Binge-Garantie entsprechend pünktlich in die weihnachtlichen Wohnzimmer.

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„Ich habe ihr die Einstichstellen nicht verpasst“: Fotograf Anderson verteidigt Nahaufnahmen von Trumps Team

Thu, 18 Dec 2025 14:23:38 +0100

„Ich habe ihr die Einstichstellen nicht verpasst“: Fotograf Anderson verteidigt Nahaufnahmen von Trumps Team

Der Fotojournalist hat für die „Vanity Fair“ Trumps engsten Zirkel fotografiert. Aus Maga-Kreisen wird bemängelt, er habe Pressesprecherin Leavitt absichtlich schlecht dargestellt. Doch Anderson kontert mit einem Verweis auf die Realität.

Von Bettina Funk

Stand: heute, 15:23 Uhr

Die Fotos sind so nah, dass man jede Pore sieht. Christopher Anderson hat für die „Vanity Fair“ Mitglieder von Donald Trumps engstem Zirkel so fotografiert, wie er es auch schon mit politischen Figuren in den 2010er Jahren tat. Doch dieses Mal löste er damit eine Kontroverse aus. Besonders seine Nahaufnahme von Pressesprecherin Karoline Leavitt sorgte für Aufregung: Deutlich sind augenscheinlich Injektionsstellen an ihren Lippen zu erkennen. Doch der renommierte Fotojournalist weist die Kritik zurück.

„Ich habe ihr die Einstichstellen nicht verpasst“, sagt Anderson im Interview mit der „Washington Post“. „Ich finde es schockierend, dass jemand von mir erwarten würde, solche Dinge zu retuschieren.“ Für Anderson ist die Debatte ein Symptom unserer Zeit: „Die Tatsache, dass das Internet ausflippt, weil es echte Fotos sieht und keine retuschierten, sagt etwas aus – über das Zeitalter von Photoshop und Instagram-Filtern.“

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Die extremen Nahaufnahmen sind kein neues Stilmittel des Fotografen. Anderson begann seine Karriere als Konfliktfotograf bei der renommierten Agentur Magnum Photos. Seine politischen Porträts erlangten Ende der 2000er Jahre Aufmerksamkeit, als seine körnigen, klaustrophobischen Schwarz-Weiß-Aufnahmen von Politikern im Wahlkampf die Seiten des „New York Times Magazine“ füllten – Hautunreinheiten inklusive.

Bereits 2014 veröffentlichte Anderson den Bildband „Stump“ über amerikanische Politik, komplett in diesem Stil fotografiert. Auch Barack und Michelle Obama hielt er so fest. „Ich habe alle politischen Lager auf diese Weise fotografiert“, betont er. Sein Ziel: das inszenierte Image der Politik zu durchbrechen und etwas Wahrhaftigeres zu zeigen. Anderson nennt seine Bilder laut Magnum Photos „Röntgen-Ikonen“ – er will unter die Oberfläche der amerikanischen Politik schauen. Auch Trump selbst fotografierte er zu Beginn seiner ersten Amtszeit in extremer Nahaufnahme – für das Cover des „New York Times Magazine“.

Susie Wiles sagte: „Sie sind zu nah dran“

Während der Fotosession für „Vanity Fair“ wechselte Anderson nach eigenen Angaben zwischen verschiedenen Kameras und Objektiven. Bei Stabschefin Susie Wiles sei er so nah herangegangen, dass sie mit ernster Stimme gesagt habe: „Sie sind zu nah dran“, sagte Anderson der „Washington Post“. Er sei daraufhin zurückgewichen. Wiles sorgte zudem im begleitenden Interview für Schlagzeilen: Sie bescheinigte Trump „die Persönlichkeit eines Alkoholikers“, nannte JD Vance einen „Verschwörungstheoretiker“ und Elon Musk einen „seltsamen, seltsamen Typ“ und „bekennenden Ketaminkonsumenten“.

Auch mit Vizepräsident JD Vance gab es einen bemerkenswerten Austausch beim Fotoshooting, wie Jennifer Pastore, Global Creative Director bei Vanity Fair, auf Instagram berichtete. Anderson erklärte demnach, dass er sowohl auf Film als auch digital fotografiere, weil die Belichtung auf Film mehr Informationen und Farbe einfange. „Das hat Seele“, sagte Pastore. Vances Antwort: „Das ist gut, denn ich glaube, ich habe in Vanity Fair gelesen, dass ich keine Seele habe.“

Die Stabschefin des Weißen Hauses, Susie Wiles, kommt zusammen mit US-Präsident Trump in der Air Force One an.

Stephen Miller, einer der einflussreichsten Berater Trumps, habe sich am nervösesten gezeigt, so Anderson. Er habe den Fotografen gefragt, ob er lächeln solle oder nicht. Zum Abschied habe Miller zu Anderson gesagt: „Sie haben viel Macht in der Entscheidung, freundlich zu Menschen zu sein.“ Andersons Antwort: „Sie auch.“

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Auf den Vorwurf, er habe die Trump-Mitarbeiter absichtlich schlecht aussehen lassen, reagierte Anderson dem Interview mit der „Washington Post“ zufolge gelassen: „Ich gehe nicht mit der Absicht los, jemanden gut oder schlecht aussehen zu lassen. Ich will ein Bild schaffen, das wahrheitsgetreu wiedergibt, was ich in dem Moment gesehen habe.“

Die meisten seiner Motive seien „kamerabereit“ erschienen oder hätten eigene Visagisten mitgebracht – auch Leavitt. „Das ist das Make-up, das sie aufträgt, das sind die Injektionen, die sie sich gibt. Wenn sie auf einem Foto zu sehen sind, was soll ich dazu sagen?“, sagte er der „Washington Post“. Anders als ein kommerzieller Fotograf, der jede Unvollkommenheit glätten würde, sei es sein Job als Fotojournalist zu enthüllen, nicht zu verbergen, analysiert CNN.

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Ungewöhnlich sehenswertes Regiedebüt: „Dreamers“ erzählt von einer lesbischen Liebe in Abschiebehaft

Wed, 17 Dec 2025 11:35:55 +0100

Ungewöhnlich sehenswertes Regiedebüt: „Dreamers“ erzählt von einer lesbischen Liebe in Abschiebehaft

In ihrem Regiedebüt zeigt die Londoner Filmemacherin Joy Gharoro-Akpojotor Freundschaft und Liebe an einem Ort, der dafür nicht vorgesehen ist. Ein Gespräch über Widerstand und Menschlichkeit.

Von Luca Lang

Stand: heute, 11:35 Uhr

Joy Gharoro-Akpojotor, in Ihrem Film „Dreamers“ ist während des ersten Kusses ein Buch auf dem Nachttisch der Protagonistin Isio zu sehen: „The Misfortune of an Orchid“ von Tahlia Morrison. Ich habe weder zur Autorin noch zum Titel etwas gefunden. Können Sie etwas über das Buch sagen?
Das Buch existiert nicht (lacht). Jermaine Thompson, unser Grafikdesigner, hat es erfunden. Der Titel bezieht sich auf die mythologische Erzählung des Orchis, der versuchte eine der Priesterinnen des Gottes Dionyssios zu vergewaltigen und deshalb von dem Gott getötet wurde. Dann aber wurde er in eine Orchidee verwandelt. Er wird also von etwas unglaublich Hässlichem zu etwas Schönem. Und so ähnlich ist es auch mit Isio, der Protagonistin des Films. Sie nimmt ihr Trauma und verwandelt es in etwas Schönes.

„Dreamers“ spielt in britischer Abschiebehaft. Isio, die als Lesbe in Nigeria verfolgt wurde, versucht Asyl zu bekommen und muss beweisen, dass sie lesbisch ist. Die Geschichte des Films ist in Teilen auch Ihre Geschichte, oder?
Ja, der Film basiert grob auf meinen eigenen Erfahrungen in diesem System. Ich war zwar nie in Abschiebehaft, aber ich habe Asyl beantragt und musste nachweisen, dass ich lesbisch bin. In dem Film gibt es eine Szene, in der Isio mit ihrem Sachbearbeiter spricht. Er fragt sie, ob sie schon einmal mit einem Mann geschlafen habe. Sie bejaht, weil sie nicht lügen will. Aber der Sex war nicht einvernehmlich.

Ein Großteil der Szene ist wörtlich meiner eigenen Erfahrung entnommen. Ich wollte, dass die Leute verstehen, wie lächerlich das System ist: Wie soll man denn beweisen, dass man lesbisch ist? Ich wollte zeigen, wie unmenschlich das ist.

Der Film erzählt nicht nur das entmenschlichende System von Migrationsregimen. Er erzählt auch von Freundinnenschaft und von der Liebe zwischen Isio und Farah, mit der sie in Abschiebehaft ein Zimmer teilt.
Indem ich diese Liebe zeige, indem ich zeige, wie Isio neue Freundinnen findet, und schließlich, wie sie ihre Stimme findet, wollte ich an die Menschlichkeit erinnern – so wie auch ich meine Stimme gefunden habe und an einen Punkt gelangt bin, an dem man versteht: Ich habe eine Wahl, ich habe Möglichkeiten. Ich muss mich nur daran erinnern und meine Stimme einsetzen.

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Sind das für Sie auch Motive des Widerstands?
Ja, ich denke, Liebe an einem solchen Ort zu finden, ist eine enorme Form des Widerstands. Es geht darum, die Dinge zu tun, von denen man gesagt bekommt, dass man sie nicht tun darf. Isio fragt sich, ob sie Liebe überhaupt an einem Ort erleben sollte, an dem alles so laut und so hart ist.

Letztendlich lernt sie, dass sie lieben kann, dass sie lieben sollte und dass sie Liebe verdient – unabhängig davon, wo sie ist. Und für mich ist das etwas unglaublich Schönes. Die Idee, dass Liebe selbst an den dunkelsten Orten existieren kann. Es erinnert uns daran, niemals aufzugeben und immer Hoffnung zu bewahren. Diese Art von Hoffnung, die uns am Leben hält, ist unglaublich wichtig.

Wie war es für Sie einen Film über eine so persönliche Erfahrung aus Ihrer Biografie, zu drehen, die gleichzeitig viele Geflüchtete teilen?
Die erste Version des Films schrieb ich schon 2016. Aber ich hatte Schwierigkeiten Isios Charakter wirklich zu finden, weil ich noch so tief in meiner eigenen Erfahrung steckte. Ich konnte Isio deshalb zum Beispiel nicht scheitern lassen. Erst als ich während der Pandemie eine Therapie machte, schaffte ich es Distanz aufzubauen und zu lernen, dass ich nicht Isio bin.

Ich habe mit einigen Menschen gesprochen, die selbst in Abschiebehaft saßen, um ihre Erfahrungen und Geschichten in Isio einfließen zu lassen. Ich denke, das erklärt, warum so viele Migrant*innen den Film sehen und sich darin wiederfinden. Ich habe eine gewisse Universalität in den Erfahrungen gefunden, die Menschen gemacht haben – und trotzdem bleibt Isio eine individuelle Figur mit ihrer ganz eigenen Reise.

Die Doppeldeutigkeit, das Finden von Menschlichkeit in einem entmenschlichenden System, über die wir eingangs sprachen, steckt auch im Titel Ihres Films. Isio hat einerseits fortwährend Albträume, andererseits träumen die Frauen von einem Leben in Freiheit. Die gegenwärtige Abschottungspolitik wirkt oft auch albtraumhaft. Was würden Sie dem entgegensetzen?
Menschen nutzen derzeit vor allem Angst, um uns in zwei Lager zu teilen. Man liest die Zeitung und bekommt gesagt, diese oder jene Menschen wollten einem etwas wegnehmen. Man ist wütend auf Menschen, denen man im Leben noch nie begegnet ist. Aber man hält nie inne und fragt sich: Stimmt das eigentlich?

Mein Traum wäre, dass sich diese beiden Seiten zum ersten Mal begegnen und miteinander sprechen. Dass Menschen öfter neugierig aufeinander zugehen – und erkennen, dass es nichts gibt, wovor man Angst haben müsste; dass wir stattdessen offen und liebevoll sein sollten. Stellen Sie sich vor, wie schön das Leben und die Gemeinschaft wären, die wir hätten, wenn wir mehr davon zuließen.

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Leserbrief zur Architektur im Berliner Stadtzentrum: Fernsehturm muss kritisch hinterfragt werden

Thu, 18 Dec 2025 10:08:49 +0100

Leserbrief zur Architektur im Berliner Stadtzentrum: Fernsehturm muss kritisch hinterfragt werden

Unsere Leserin und unser Leser schreiben über die „Demontage der Erinnerung“ in der alten Mitte Berlins. Der Fernsehturm sei „verheerend falsch platziert“. Und wie sehen Sie’s?

Stand: heute, 10:08 Uhr

Mitte der 1960-er Jahre räumten die Planierraupen der DDR-Baubetriebe die letzten Reste der Berliner Altstadt ab. Nicht wenige Gründerzeit- und Jugendstilgebäude, die den Krieg überdauert hatten, wurden einfach gesprengt. Nach dem Willen des damaligen DDR-Machthabers Walter Ulbricht und der SED sollte Platz für den Berliner Fernsehturm geschaffen werden.

Mit diesem ideologischen Kahlschlagwahn vollendete die SED die nationalsozialistische Vertreibung und Enteignung vor allem jüdischer Berlinerinnen und Berliner, die hier im Berliner Stadtzentrum Tür an Tür gelebt haben. Diese „Demontage der Erinnerung“ wird von den Autoren schlicht verdrängt – oder aus Unkenntnis der Geschichte nicht thematisiert. Der Berliner Fernsehturm ist verheerend falsch platziert.

Heute ist Berlin nicht mehr die Hauptstadt der DDR. Es bleibt die städtebauliche Aufgabe einer kleinteiligeren Neubebauung der alten Mitte. Der Fernsehturm kann und muss kritisch hinterfragt werden. Katrinka Delattre und Markus Erich-Delattre, Hamburg

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„Hallo, Mr. President. Gratulation“: Ein Trailer zu Melania Trumps Doku zeigt ihre Selbstinszenierung

Thu, 18 Dec 2025 09:27:35 +0100

„Hallo, Mr. President. Gratulation“: Ein Trailer zu Melania Trumps Doku zeigt ihre Selbstinszenierung

40 Millionen Dollar zahlte Amazon für 20 Tage aus dem Leben der First Lady. Ein Trailer zeigt: Melania Trump hat die Kontrolle – und scheut sich nicht, die Distanz zu ihrem Ehemann zu zeigen.

Von Bettina Funk

Stand: heute, 09:27 Uhr

„Here we go again“ (dt.: „Jetzt geht’s wieder los“), sagt eine leicht lächelnde Melania Trump in die Kamera, als sie am Tag der Amtseinführung ihres Mannes mit einem marineblau-weißen Hut und einem Militärbegleiter am Arm ins US-Kapitol einzieht. Der nun veröffentlichte Trailer zur Dokumentation über die First Lady gewährt einen ersten Einblick in das Projekt – und lässt vor allem über die Beziehung zwischen ihr und Präsident Donald Trump rätseln.

Der 68-sekündige Trailer zeigt unter anderem Aufnahmen von Mar-a-Lago in Palm Beach und dem Trump Tower in New York sowie Melania Trump bei einem Mittagessen und auf einem Friedhof, wo sie eine weiße Lilie an einem Grabstein platziert. Man sieht sie beim Besteigen der Air Force One, bei Gesprächen mit Staatsgästen und bei der Planung der Feierlichkeiten zur Amtseinführung – meist mit dunkler Sonnenbrille und extrem hohen Absätzen. Auch ihr 19-jähriger Sohn Barron, der inzwischen in Washington studiert, taucht in kurzen Sequenzen auf.

In einer Szene fragt sie einen Secret-Service-Agenten über ein nicht näher genanntes Event: „Is it safe?“ (dt.: „Ist es sicher?“) – worauf er bejaht.

Doch die wohl aufschlussreichste Szene kommt am Ende: „Hi Mr. President. Congratulations“ (dt: „Hallo, Mr. President. Gratulation“) sagt Melania Trump, während sie mit dem Rücken zur Kamera vor der Manhattan-Skyline in einem vergoldeten Raum steht, eine einzelne weiße Rose auf dem Schreibtisch. Am anderen Ende der Leitung fragt ihr Ehemann: „Did you watch it?“ (dt.: „Hast du es gesehen?“) Ihre Antwort: „I did not. Yeah. I will see it on the news“ (dt.: „Nein. Ich werde es in den Nachrichten sehen“). Ihr Büro hat laut „New York Times“ nicht auf Fragen geantwortet, um welches Event es sich handelte.

Jeder will es wissen, also hier ist es.

Melania Trump

Die Dokumentation mit dem schlichten Titel „Melania“ soll am 30. Januar in die Kinos kommen. Melania Trump unterzeichnete einen millionenschweren Vertrag mit Amazon MGM – Berichten zufolge ließ sich das Unternehmen das Projekt 40 Millionen Dollar kosten. Sie fungiert selbst als ausführende Produzentin, was ihr offenbar volle redaktionelle Kontrolle gab.

Die Dreharbeiten begannen im Dezember 2024 und dokumentieren die 20 Tage rund um ihre Rückkehr ins Weiße Haus, wie CNN berichtet. Amazon MGM verspricht „exklusives Filmmaterial von kritischen Meetings und privaten Gesprächen“ sowie einen „beispiellosen Einblick“ in diese Zeit. „Everyone wants to know. So here it is“ (dt.: „Jeder will es wissen, also hier ist es“), hört man Melania Trump über den Inhalt der Doku sagen.

Melania Trump inszeniert sich als kontrollierte Figur

Der Trailer zeigt das ikonische Brüllen des Metro-Goldwyn-Mayer-Löwen. Mit dramatischer Instrumentalmusik unterlegt, präsentiert sich Melania Trump als kontrollierte und selbstbewusste Figur, die über Reden ihres Mannes und Entwürfe für Roben mitentscheidet. Ein deutlicher Kontrast zu ihrer ersten Amtszeit, als sie vor allem durch Kontroversen in Erinnerung blieb – etwa durch ihren Besuch bei inhaftierten Migrantenkindern an der Grenze, zu dem sie eine Jacke mit der Aufschrift „I REALLY DON’T CARE, DO U?“ (dt.: „Es ist mir wirklich egal, dir auch?“) trug.

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Regie bei der „Melania“-Doku führt Brett Ratner („Rush Hour“, „X-Men: The Last Stand“). Es ist das erste größere Projekt des Filmemachers seit 2017, als er von sechs Frauen des sexuellen Fehlverhaltens beschuldigt wurde, wie die „Los Angeles Times“ berichtete. Ratner hat die Vorwürfe bestritten. Laut Insiderberichten soll Ratner demnächst auch den vierten Teil von „Rush Hour“ für Paramount drehen – ein Projekt, für das sich Donald Trump persönlich eingesetzt haben soll.

Melania Trump hat angedeutet, dass die Dokumentation in diesem Jahr viel ihrer Aufmerksamkeit hinter den Kulissen in Anspruch genommen hat. Während der zweiten Amtszeit ihres Mannes hält sie sich bislang weitgehend bedeckt und tritt deutlich seltener öffentlich auf als zu diesem Zeitpunkt während seiner ersten Amtszeit. Sie teilt ihre Zeit größtenteils zwischen New York und Palm Beach auf. In den vergangenen Wochen hat sie ihre öffentlichen Auftritte rund um die Weihnachtsfeiertage jedoch verstärkt.

Melania Trump hält am 11. Dezember 2025 eine Rede während des Kongressballs im Grand Foyer des Weißen Hauses.

Bei einer kürzlichen Veranstaltung, bei der sie den „Patriot of the Year“-Award von Fox Nation entgegennahm, sagte Melania Trump laut CNN, die Idee zur Dokumentation sei ihr kurz nach dem Wahlsieg ihres Mannes gekommen. Es sei „eine Premiere, die 20 Tage meines Lebens vor der Amtseinführung festhält, 20 intensive Tage der Transformation von Privatperson zur First Lady, während ich mein Geschäft, meine Philanthropie, die Förderung der Zukunft, den Aufbau meines East-Wing-Teams und des Weißen-Haus-Personals unter einen Hut brachte und natürlich für meine Familie sorgte.“

In einem Interview mit „Fox & Friends“ erklärte sie: „Meine Fans und die Menschen würden gerne mehr von mir hören. Im Moment geht es um das tägliche Leben. Was ich tue. Welche Verantwortlichkeiten ich habe.“

Laut „Variety“ soll zusätzlich eine dreiteilige Dokuserie erscheinen, die Melanias Leben zwischen dem Trump Tower in New York, Mar-a-Lago und Washington D.C. beleuchtet.

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Karat, die Brückenbauer aus Ostberlin: Für diese sechs Konzerte in Berlin gibt es noch Karten

Wed, 17 Dec 2025 15:29:39 +0100

Karat, die Brückenbauer aus Ostberlin: Für diese sechs Konzerte in Berlin gibt es noch Karten

Im Gegensatz zu manch anderen DDR-Bands hatten Karat auch im wiedervereinigten Deutschland Erfolg. Ihr 50. Jubiläum feiern die Ostberliner in ihrer Heimat. Dies sind unsere Konzertempfehlungen der Woche.

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Stand: heute, 09:10 Uhr

Wir sind eigentlich ganz froh, dass wir hier die Debatte nicht führen müssen, ob die Böhsen Onkelz nun (immer noch) Rechtsrocker sind oder nicht – ihre Konzerte in der Uber Arena (17./18.12.) sind ausverkauft.

Eindeutig Linksrocker sind dagegen Feine Sahne Fischfilet. Für deren Konzert gibt es ebenso noch Karten wie für den feinen Indiepop von Die Höchste Eisenbahn und Jupiter Jones, die Jazzsängerin Tallana Gabriel und den Pianisten Christoph Spangenberg, der Nirvana-Songs in die Tasten haut.

1 Karat

Erfolgsmodell in Ost und West: Die Band Karat.

Dass der Ostberliner Gruppe Karat der Übergang in den gesamtdeutschen Popkapitalismus reibungslos gelungen ist, dürfte damit zu tun haben, dass sie schon vor 1989 Wanderer zwischen Ost und West waren.

Für ihre Hits „Über sieben Brücken mußt du gehn“ und „Der blaue Planet“ und die im international anschlussfähigen Progrock-Sound gehaltenen Alben wurde die 1975 gegründete Band auch im Westen als Botschafter der Friedens- und Umweltbewegung gefeiert.

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Lizenzpressungen ihrer Amiga-Platten ließen die West-Devisen sprudeln, und die des Dissidententums unverdächtige Band durfte auch in der BRD auftreten.

Wie stark ihr Œuvre im gesamtdeutschen Popgedächtnis eingeschrieben ist, bewies 2019 die Wahl der „100 besten Ost-Songs“ durch Radioeins, bei der Karat die Plätze 10 und 12 belegten. (wun)

2 Die Höchste Eisenbahn

Wieder im Gleis: Die Indiepop-Band Die höchste Eisenbahn.

Nachdem Francesco Wilking mit seinem italophilen Nebenprojekt Crucchi Gang drei Jahre lang einen ziemlich guten Lauf hatte, war es an der Zeit, dass auch seine Hauptband Die Höchste Eisenbahn mal wieder von sich hören ließ.

Mit dem vierten Album „Wenn wir uns wieder sehen schreien wir uns wieder an“ meldete sich eine der sympathischsten Indiepop-Bands Deutschlands im Spätsommer 2025 eindrucksvoll zurück.

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Mit Spontanohrwürmern wie „Gitarre Ärztin Blau“ oder „Ich komm gleich nach“ knüpfen Moritz Krämer, Francesco Wilking, Felix Weigt und Max Schröder (vl.n.r.) mühelos an frühere Großtaten an. (wun)

3 Christoph Spangenberg Plays Nirvana

Macht im Trockenen eine bessere Figur: Der Pianist Christoph Spangenberg.

Natürlich freut es uns für den Künstler, dass der klassisch ausgebildete Pianist Christoph Spangenberg mit seiner Plays Nirvana-Konzertreihe in den Vorjahren solche Erfolge feiern konnte, dass er den Kammermusiksaal gleich für zwei Abende gemietet hat.

Und ja, es ist spannend, wie der Berliner, der im kommenden Jahr 40 wird, Klassiker des harten Gitarrenrocks der frühen Neunziger in ein anderes Klangidiom überträgt.

Sein virtuoses Spiel auf dem Konzertflügel rückt die melodischen Finessen und magischen Akkordfolgen von Nirvana-Hits wie „Come As You Are“ oder „Rape Me“ in den Fokus.

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Das ist für die Fans Grund zum Jubel, bietet aber auch jenen einen Zugang, die mit dem schroffen Grungerock der Originale nichts anfangen können.

Aber wir müssen auch kurz über die Konzertplakate reden, auf denen Spangenberg das ikonische Cover der zweiten Nirvana-LP „Nevermind“ nachzustellen versucht.

Sagen wir so: Ein tauchender Enddreißiger in Badeshorts sieht nicht ganz so unschuldig elegant aus wie das Unterwasserbaby vom LP-Cover, das zum Zeitpunkt der Aufnahme vier Monate alt war. (wun)

4 Jupiter Jones

Im zweiten Anlauf in die Top 3: Jupiter Jones.

Früher wurde Jupiter Jones unterstellt, eine Art Tomte für Arme zu sein (und schon die galten als Tocotronic des kleinen Mannes).

Dabei hat die Combo aus der Eifel nur leicht zeitverzögert ähnlich melodisch-rustikalen Indie-Gitarrenrock wie die Hamburger gespielt, mit zitatreichen Texten und popkulturaffinen Song- und Plattentiteln.

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Nach der Trennung 2018 gipfelte die Reunion mit dem wieder eingestiegenen Original-Sänger Nicholas Müller (links) 2022 im Album „Die Sonne ist ein Zwergstern“, mit dem Jupiter Jones die Top 3 der Charts erreichten. (wun)

5 Feine Sahne Fischfilet

Klare Kante gegen rechts: Feine Sahne Fischfilet.

„Wir kommen in Frieden“, das siebte Album von Feine Sahne Fischfilet aus Mecklenburg-Vorpommern, stieg auf Platz 1 der deutschen Charts ein.

Sänger Jan „Monchi“ Gorkow wirkt wie einer, für den das Sprichwort „Er trägt das Herz am rechten Fleck“ erfunden wurde.

Er war mal Hooligan bei den Ultras von Hansa Rostock, prügelte sich, soff, ist nicht stolz auf diese Vergangenheit – und weiß doch, dass sie ihn zu dem gemacht hat, der er heute ist.

Bands wie Feine Sahne Fischfilet braucht es aktuell mehr denn je. Nicht wegen ihrer Musik oder weil sie auf Konzerten klare Kante gegen Rechts zeigen.

Sondern, weil er und seine Mitmusiker immer wieder dahin gehen, wo es wirklich wehtut: In Monchis Heimatstadt Jarmen erreichte die AfD zuletzt 54 Prozent der Zweitstimmen.

Genau dort organisieren sie seit 2016 das „Wasted in Jarmen“-Open-Air. Sie holten Marteria und Campino für die „Noch nicht komplett im Arsch“-Kampagne nach Anklam, halten Kontakt zur Basis.

Und sie halten ihre Fresse auch vor Rechten nicht – und zeigen deren Nachwuchs immer wieder Alternativen auf.

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Aber keine Sorge vor zu viel Politik in der Max-Schmeling-Halle: Die Saufflagge halten Monchi und Co. mit neuen Songs namens „Niemand muss nüchtern sein“ und „Besoffen sein“ noch immer hoch. (soet)

6 Tallana Gabriel

Fast ein (Deutschland sucht den) Superstar: Jazzsängerin Tallana Gabriel.

Eine verlorene Wette war schuld daran, dass Tallana Gabriel 2016 an der TV-Show „Deutschland sucht den Superstar“ teilnahm.

Ins Finale schaffte es die in New York ausgebildete Jazzsängerin russischer Herkunft zwar nicht, doch Jury-Mitglied und Scooter-Frontman H.P. Baxxter feierte ihren Auftritt.

Mit „Kosher Jazz“ beleuchtet sie jiddische, russische und israelische Musiktraditionen und interpretiert mit Klassiker des Great American Songbook – einer Musik, die zu großen Teilen von jüdischen Komponisten stammt. (wun)

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Die Kinostarts der Woche: Feuer, Wasser, Luft – Krieg der Elemente im dritten Avatar-Spektakel

Wed, 17 Dec 2025 14:20:42 +0100

Die Kinostarts der Woche: Feuer, Wasser, Luft – Krieg der Elemente im dritten Avatar-Spektakel

James Cameron dreht ein episches Finale für seine Pandora-Saga, Mats Mikkelsen fühlt sich wie John Lennon. Die wichtigsten Filmstarts der kommenden Wochen.

Von Ticket Redaktion

Stand: heute, 07:04 Uhr

„Therapie für Wikinger“ trägt die typische Handschrift des Regisseurs Anders Thomas Jensen: schwarzer Humor, gepaart mit schrägen, aber liebenswerten Charakteren, die durch seine Filme stolpern.

Und sonst so? Die Avatar-Trilogie findet mit „Avatar: Fire and Ash“ ihr episches Finale, während der „Medicus“ in die zweite Runde geht.

1 Avatar: Fire and Ash

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James Camerons „Avatar: Fire and Ash“, der finale Teil der Trilogie, knüpft unmittelbar an die Handlung des Vorgängers an und vertieft dessen Themen. Die Frage, wie sich die Kinder zu den Eltern verhalten und ihre eigenen Wege finden, und was eine Familie überhaupt ausmacht, ist nach dem Tod des ältesten Sohns Neteyam in „Way of Water“ noch einmal verkompliziert.

Der mittlere Sohn Lo’ak (Britain Dalton) ringt um den Respekt seines autoritären Vaters, Adoptivsohn Spider (Jack Champion) wird als Bedrohung wahrgenommen, weil er die RDA-Soldaten um Colonel Quaritch (Stephen Lang), seinen leiblichen Vater, auf ihre Fährte locken könnte.

Und Kiri, wieder gespielt von einer digital verjüngten Sigourney Weaver, muss erst noch in ihre Rolle als Vermittlerin zwischen den Na’vi und Eywa – und damit dem ökologischen Bewusstsein des Planeten Pandora – hineinwachsen.

Neu ist in „Fire and Ash“ das Volk der Mangkwan, angeführt von der kriegerischen Varang (Oona Chaplin), deren Habitat durch einen Vulkanausbruch in eine Aschelandschaft verwandelt wurde. Die Mangkwan haben mit der Naturgläubigkeit der Na’vi gebrochen – und den anderen Na’vi-Clans gleich dazu.

Sie geben der allmächtigen Eywa die Schuld an der Zerstörung ihres „Lebensbaums“ und verbünden sich mit Quaritch, der ihnen das „Feuer“ geben will, mit dem sie ganz Pandora in eine Aschewüste verwandeln können. Im Gegenzug sollen sie ihm helfen, seinen Sohn zu finden.

In „Fire and Ash“ vereint Cameron Land und Luft, Wasser und Feuer; zum großen Finale ergreift sogar Eywa Partei für die Omaticaya und die Metkayina gegen das abtrünnige „Aschevolk“. Hat man sich erst an die hochaufgelöste 3-D-Ästhetik gewöhnt, die eher an eine Virtual-Reality-Simulation erinnert, wird auch dieser Trip nach Pandora wieder eine psychedelische Erfahrung. (Andreas Busche)

2 Sorry, Baby

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Im Leben von Agnes (Eva Victor) herrscht Stillstand. „Gehst Du jemals aus dem Haus?“, fragt Lydie (Naomi Ackie) vorsichtig, als sie ihre beste Freundin besucht.

Agnes lebt immer noch in demselben Haus, das sie zusammen als Studentinnen an einer Kleinstadt-Uni an der Ostküste bewohnt haben. Sie ist jetzt zwar Junior-Professorin, die jüngste in der Geschichte der Schule, aber innerlich wirkt Agnes wie eingefroren.

Etwas Schreckliches ist ihr passiert, was das Leben von Agnes, die nie um einen bissigen Kommentar verlegen ist, in ein Vorher und ein Nachher trennt. Auch „Sorry Baby“ ist in Kapitel unterteilt, chronologisch unsortiert, die den sexuellen Angriff diskret aussparen, nicht aber den Schock und Schmerz, der hinter dem trockenen Humor und dem verzweifelten Versuch des Weiterleben-Müssens immer wieder zum Vorschein kommt.

Eva Victor gelingt in ihrem bemerkenswerten Regiedebüt der schwierige Drahtseilakt, die Gewalterfahrung mit zarter, mitunter unglaublich komischer und immer wieder berührender Zurückhaltung zu erzählen. Agnes will kein Opfer sein. (Andreas Busche)

3 Der Fremde

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Der junge Franzose Mersault lebt im Algier des Vorkriegsjahres 1938 eine Existenz ohne emotionale Verankerung. Selbst die Liebesbeziehung mit der attraktiven Marie, die am Tag nach der Beerdigung seiner Mutter begann, ist für ihn vor allem körperlicher Natur. Ihrer Idee einer Heirat steht er gleichgültig gegenüber.

Seine Umwelt scheint Mersault wie durch Milchglas wahrzunehmen. Das ändert sich auch nicht, als er am Strand einen jungen Araber erschießt. Vor Gericht wird seine Gefühllosigkeit vom Staatsanwalt gegen ihn verwendet.

François Ozon bettet in seiner Verfilmung des Bestsellers von Albert Camus die dürre Handlung in kontrastreiche Schwarzweiß-Aufnahmen (Kamera: Manuel Dacosse) ein. Benjamin Voisins schlafwandlerisches Spiel ist der von ihm verkörperten Figur geschuldet, hat auf Dauer aber etwas Ermüdendes.

Rebecca Marder, die an die junge Juliette Binoche erinnert, bringt als Marie ein belebendes Element. Die Inszenierung des klaustrophobischen Prozesses gegen Mersault wirkt arg didaktisch, der dramatische Schlussdialog mit einem Geistlichen in der Todeszelle unglaubwürdig.

Trotz erlesener Bilder, sorgfältiger Ausstattung und guter schauspielerischer Leistungen kann Ozons Adaption mit Luchino Viscontis Verfilmung aus dem Jahr 1967 nicht mithalten. Ab 1.1.2026. (Jörg Wunder)

4 Therapie für Wikinger

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Eine Stunde und 54 Minuten lang zieht Anker (Nikolaj Lie Kaas) ein Gesicht, als hätte ihm jemand den letzten Keks weggegessen. Aber der Ex-Knacki, frisch aus der Haft entlassen, hat es auch nicht leicht.

Die Beute aus dem damaligen Raubzug liegt zwar sicher im Versteck, aber das kennt nur sein Bruder (Mads Mikkelsen). Und dessen psychischer Zustand ist, sagen wir mal, instabil. Er hat die Identität von John Lennon angenommen.

Wenn er mit seinem Geburtsnamen angesprochen wird – was Anker ständig passiert –, setzt John zum Selbstmordversuch an. Als er sich zum ersten Mal aus dem fahrenden Auto wirft, erschrickt man noch, dann wird die Marotte zum Running Gag.

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Willkommen zurück im „Adams Äpfel“-Universum, auch wenn der Plot ein anderer ist und der Humor 20 Jahre später noch schwärzer. Erneut versammelt Regisseur Jensen eine Truppe versehrter Loser zu einer Schicksalsgemeinschaft und fügt ihnen viele zusätzliche Schmerzen zu.

Aber trotz aller abgetrennter Gliedmaßen – Jensen hat seine Helden lieb und nimmt sie ernst. Als sich Ankers Gesicht in der vorletzten Minute zu so was Ähnlichem wie einem Lächeln verzieht, geht die Sonne auf. Ab 25.12. (Antje Scherer)

5 Der Medicus II

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Obwohl die Verfilmung von Noah Gordons historischem Medizin-Thriller „Der Medicus“ (2013) äußerst erfolgreich in den deutschen Kinos lief, dauerte es zwölf Jahre, bis die Fortsetzung auf die Beine gestellt wurde.

Dieses Mal handelt es sich nicht um eine Literaturverfilmung, sondern um ein Originaldrehbuch, und diese fehlenden literarischen Qualitäten merkt man dem Film deutlich an. Regisseur und Co-Drehbuchautor Philipp Stölzl siedelt die Handlung im England des 11. Jahrhunderts an.

Dort landet der Medicus Robe Cole (Tom Payne) mit einer Handvoll Getreuen, um das medizinische Wissen des Orients in sein Heimatland zu bringen. Aber natürlich trifft er auch auf Ignoranz und Intrigen allerorten.

Stölzl inszeniert „Der Medicus 2“ als solides Mittelalterspektakel, das allerdings punktuell ins Krippenspielartige abkippt. Gordons Dramaturgie einer Erkenntnisreise weicht hier einem klassischen David-gegen-Goliath-Plot, in dem der überzeugte Mediziner gegen ein korruptes Establishment antritt und bei der Figurenzeichnung auf allzu offensichtliche Gut-Böse-Schemata zurückgegriffen wird. Ab 25.12. (Martin Schwickert)

6 Herz aus Eis

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Aus Schneeverwehungen lösen sich die Schemen einer weiß gewandeten Frau mit eisigem Glitzer-Make-up. Angemessener Auftritt für eine Königin, er stellt sich aber als Illusion heraus. Oder hat die 16-jährige Jeanne (Clara Pacini) nur geträumt?

Als die Klappe fällt, tritt die Filmdiva Cristina, gespielt von Marion Cotillard, hinter ihrer Rolle als Schneekönigin hervor, die auch am Filmset ein eisernes Regime führt. Aber das Waisenmädchen, das sich in den Kulissen des Filmdrehs versteckt, ist augenblicklich in Bann geschlagen von der unwirklichen Schönheit der Schauspielerin. Oder doch eher von der unnahbaren Figur, die sie spielt?

Lucile Hadžihalilović hat mit ihrem schmalen Werk zu einer unverwechselbaren Handschrift als Poetin märchenhafter (Alb-)Traumwelten gefunden. Konsequent ist es darum, dass sie sich dieses Mal an Motiven von Hans Christian Andersen orientiert, um eine überwältigend schön inszenierte, fast gemalt wirkende Geschichte von sexuellem Erwachen, jugendlicher Sehnsucht und dem schmerzvollen Erwachsenwerden zu erzählen. (Andreas Busche)

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